La música de cerca. Una década enlazando música y artes plásticas en el contexto del ocio humanista

 

 

Mañana miércoles, 13 de junio, dará comienzo el Foro Internacional de Investigación OcioGune 2018.

 

ociogune 2018

 

 

OcioGune viene siendo, desde el año 2006, un espacio de intercambio de conocimiento, pensamiento y reflexión sobre la observación de la realidad social, las transformaciones en curso y las tendencias futuras del ocio humanista. El foro está dirigido a personas expertas, académicas, investigadoras y profesionales interesadas en la promoción de la investigación y el conocimiento en torno al fenómeno del ocio y los ámbitos en los que se manifiesta.

 

Este año la cita es doblemente importante ya que se enmarca en el XXX aniversario del Instituto de Estudios de Ocio de la Universidad de Deusto.

 

 

OCIO 10 Y 20

 

 

 

Mi aportación al Foro consistirá en la presentación de La música de cerca, un ciclo de conferencias que -en base a un convenio de colaboración entre la Orquesta Sinfónica y el Museo de Bellas Artes de Bilbao- se puso en marcha en 2008 con el principal objetivo de brindar a los asistentes unas claves estéticas con las que comprender mejor el discurso musical y, en consecuencia, disfrutarlo más. Su principal rasgo distintivo -emanado del particular enlace entre estas dos instituciones culturales de larga y apreciada trayectoria en la ciudad de Bilbao- consiste en que la temática de cada ciclo y los contenidos propios de cada conferencia se articulan en torno a unas audiciones enlazadas con piezas pictóricas y escultóricas de los fondos del museo, que son contextualizadas y proyectadas durante las conferencias.

 

 

LA MUSICA DE CERCA BOS BBAA

 

 

 

 

Desde aquel 2008, y en esta década de programación ininterrumpida, se ha consolidado un ciclo favorecedor de experiencias de ocio vertebradas por la escucha musical y vinculadas a la oferta artística y patrimonial del museo. Este programa ha sido diseñado en base a las estrategias didácticas propias del Ocio Formativo Musical (OFM), constructo de triple perfil -humanista, educativo y cultural- que explica y posibilita la vivencia de un ocio valioso en torno a la escucha de la música clásica a través de la formación, al aportar al oyente una serie de puntos de referencia que lo transforman en escuchante, estimulando su disfrute y potenciando su desarrollo personal en su doble vertiente: individual y comunitaria. Acerca del OFM hemos escrito en este cuaderno virtual en alguna ocasión:

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2015/10/12/ocio-formativo-musical/

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2017/10/25/el-ofm-premiado-en-los-programas-universitarios-para-mayores/

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2018/05/10/el-ocio-formativo-musical-sigue-ganando-adeptos-en-la-universidad/

 

OFM

 

 

En el caso de La música de cerca, cada uno de los diez ciclos ha tenido lugar en el auditorio del museo y se ha articulado en seis conferencias, con un hilo conductor de temática distinta en cada ciclo y recogida en sus títulos, algunos de los cuales han sido: Los colores de la música; Miradas sonoras; La música en relación; La música en imágenes. Los sonidos del Museo; La música en el siglo XX. Diversidad y color. A lo largo de estos diez años, doscientas personas han disfrutado de la música y de los fondos patrimoniales del museo en cada uno de los ciclos de conferencias. La voluntad de ambas instituciones es mantener la colaboración en esta propuesta de ocio formativo cultural.

 

 

 

Quien quiera saber más acerca de OcioGune 2018, puede asomarse a este enlace:

https://socialesyhumanas.deusto.es/cs/Satellite/socialesyhumanas/es/ociogune

 

 

Disfruten de una larga y bien sonante vida de ocio.

 

 

 

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El concierto barroco en versión BOS. Belleza e innovación

 

 

Dos términos principales pueden representar lo que el periodo barroco significó en el lenguaje de la música: expresionismo e innovación.

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao dirigida por Enrico Onofri -quien también interpretará al violín-, mostrará a nuestros oídos un repertorio íntegramente barroco. El jueves día 17, a las 18:00 y en la Sala B1 del palacio Euskalduna, tendré el gusto de presentar el programa que nos ofrecerá la orquesta, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

OFM

 

La visión pesimista del mundo -derivada de las crisis espirituales y económicas del siglo XVII- llevó al artista barroco a deformarlo en su representación, mediante la exageración expresiva, la búsqueda del contraste y el recargamiento artificioso. La teoría de los affetti o afectos humanos sostenía que “la Música puede transmitir sentimientos y afectar al alma del oyente” y la vía más efectiva para lograr estos objetivos fue la utilización del contraste y el expresionismo. Pero, además, en el Barroco la composición utilizó técnicas innovadoras y la audacia en la escritura llegó tan lejos que dio a luz dos géneros musicales que, desde entonces, no han dejado de interesar ni a los compositores ni al público. Esos géneros fueron la ópera y el concierto y ambos nacieron en Italia.

El concierto, como género instrumental absoluto, en el que el pensamiento del compositor se organiza en base a colores tímbricos, tensiones armónicas, efectos de claroscuro derivados de los contrastes de intensidades, de alturas, de velocidades, de texturas y de masas sonoras de acuerdo a la alternancia de concertino y ripieno, fue un logro extraordinario en la evolución del lenguaje compositivo. El origen etimológico de la palabra nos recuerda que concertar-que significa “acordar”, “pactar”, “componer o poner de acuerdo”-, deriva del latín concertare –“debatir”, discutir” y, antes, “combatir”, “pelear”- y nos lleva a la conclusión de que no podría haberse encontrado un término mejor para este género, el concierto, en el que uno o varios instrumentos combaten en armonía frente a un grupo más grande, en busca de la expresión y la belleza.

 

OFM

 

La figura de Corelli planeará sobre el programa, ya que su influencia fue notable en otros compositores barrocos. Su Concerto grosso en Re Mayor Op. 6 nº 1, pondrá punto final a la tarde de música.

 

 

Corelli

Arcángelo Corelli (Fusignano, 1653 – Roma, 1713)

 

OFM

 

Y algunas de las aportaciones  del maestro Corelli serán escuchadas a través de las composiciones de Geminiani, de quien se han programado los nº 3 y 5 de sus Concerti Grossi Op. 5.

 

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Francesco Geminiani (Lucca, 1687 – Dublín, 1762)

 

OFM

 

También estará presente el exquisito y cosmopolita Muffat con su Sonata nº 5 en Sol Mayor, de Armonico Tributo.

 

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Georg Muffat (Megève, Saboya, 1653 – Passau, Bavaria, 1704)

 

OFM

 

Disfrutaremos, sin duda, del talento célebre y siempre asombroso de Vivaldi, con su Concierto en sol menor Op. 3 nº 2, de L’estro armonico (La inspiración armónica).

 

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Antonio Vivaldi (Venecia, 1678 – Viena, 1741)

 

OFM

 

Y tendremos la oportunidad de escuchar -y tal vez descubrir- el Concierto en Re Mayor Op 2 nº 7 de Mossi, un compositor menos programado.

 

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Giovanni Mossi (Roma, c. 1680 –Roma, 1742)

 

OFM

 

En este enlace podemos escuchar el Concerto grosso en Re Mayor Op. 6 nº 1 de Corelli, en cierta manera, alma generadora de la magia de este programa. La versión es de The English Concert, bajo la dirección de Trevor Pinnock:

 

 

 

 

Más información sobre el concierto en este enlace:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-16-2017/

 

OFM

 

Será un placer esta semana disfrutar de un repertorio cuyas características estéticas vienen marcadas por la intensidad dramática y la expresión de los afectos humanos. La búsqueda de ambas llevó a los compositores del Barroco a experimentar e innovar con las texturas, las armonías, la organización formal y los colores y efectos tímbricos sin perder, ni por un instante, la pista de la Belleza. Disfruten.

 

 

 

El Ocio Formativo Musical sigue ganando adeptos en la universidad

 

 

 

El pasado jueves 26 de abril tuve el gusto de presentar en Palma de Mallorca, en la sede de Sa Riera de la Universitat de les Illes Balears y dentro del marco del IX Seminario de la Asociación Estatal de Programas Universitarios para Personas Mayores-AEPUM, el trabajo que hace unos meses fue premiado por esta asociación y que ya fue comentado en este cuaderno virtual el pasado octubre:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2017/10/25/el-ofm-premiado-en-los-programas-universitarios-para-mayores/

 

 

OFM

 

 

Desde aquí quiero agradecer el interés con que fue escuchada la ponencia en la sesión de Palma: el profesorado y los representantes institucionales llegados de todas las universidades de dicha asociación, quisieron saber más y sus preguntas y comentarios fueron indicadores de que el OFM tendrá cada vez más presencia en los programas universitarios para personas mayores y, de esta manera, contribuirá a que la apreciación musical y su didáctica lleguen a un número mayor de melómanos y de quienes quieran llegar a serlo.

 

Mercedes Albaina_Premio AEPUM 2017_0

https://www.aepumayores.org/es/contenido/ix-seminario-aepum-diversidad-generacional-en-los-programas-universitarios-para-personas-m

 

 

 

Me pareció apropiado que el punto final a mi intervención lo pusiera la música de Chopin quien, en el invierno de 1838-39, compuso varios de sus Preludios para piano en Valldemosa, a tan solo unos kilómetros de la UIB, donde hoy día se ponen en marcha los Programas Universitarios para Personas Mayores.

Elegí para ello el brevísimo Preludio nº 1 en Do Mayor, micromundo sonoro que se puede escuchar aquí en la versión de Artur Rubinstein, un pianista que vivió plenamente y que siguió disfrutando y haciendo disfrutar de su talento incluso cuando era ya una “persona mayor”:

https://www.youtube.com/watch?v=3EewC9_i2yQ

 

Un buen ejemplo para todos. Disfruten siempre.

 

 

 

 

La música y la palabra en Wagner y Mahler. Concierto de la BOS

 

 

Esta semana, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, tejerá un tapiz sonoro sobre el que el barítono Johannes Martin Kränzle pueda dibujar las melodías de Mahler y Wagner. El conjunto estará dirigido por el titular de la BOS, Erik Nielsen.

El viernes día 4, entre las 18:00 y las 19:00 hs y en la sala B Terraza del Palacio Euskalduna, comentaremos las obras del programa, en una charla a la que se accede de manera gratuita con la entrada al concierto.

 

OFM

 

El concierto dará comienzo de manera muy apropiada con una Obertura: la de Los maestros cantores de Nüremberg de Richard Wagner, que podemos escuchar en este enlace, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Christian Thielemann:

 

 

 

Tras ello, Johannes Martin Kränzle y la BOS nos ofrecerán una selección de algunas de las canciones del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler.  

Aquí podemos escuchar a Johannes Martin Kränzle cantando la canción de San Antonio de Padua predicando a los peces, en versión de voz y piano:

 

http://www.johannesmartinkraenzle.de/media/audiofiles/mahler_fischpredigt.mp3

 

Antonio va a la iglesia

y la encuentra vacía para el sermón.

Entonces, se dirige al río

a predicar a los peces…

 

 

El concierto finalizará con una selección del Acto III de Parsifal de Wagner, que se puede escuchar completo en el siguiente enlace. La versión es de Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Staatskapelle de Berlín y los subtítulos están en español:

https://www.youtube.com/watch?v=jFDrLhFDplA

 

 

OFM

 

En este cuaderno virtual hemos hecho referencia a Wagner en más de una ocasión. Una de ellas, con motivo del bicentenario de su nacimiento:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/01/02/verdi-y-wagner/

 

 

A Mahler, le dedicamos una entrada hace unos años:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2014/07/07/gustav-mahler/

 

OFM

 

Se puede encontrar más información sobre el concierto de esta semana en:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-15-2017/

 

 

Un programa de aroma alemán, en el que la música y la palabra tejen un discurso para disfrutar.

 

 

 

 

José Antonio Abreu

 

Ha fallecido José Antonio Abreu, quien tuvo el mérito de acercar la música a los niños y jóvenes venezolanos y, más aún, fue el principal ideólogo y promotor de una proeza:  sumergir a niños y jóvenes venezolanos en la música, de tal manera que quedasen enredados en ella.

 

JA Abreu

 

José Antonio Abreu (Valera-Venezuela, 1939 – Caracas, Venezuela, 2018)

 

OFM

 

Fue economista, educador, compositor, inquieto y generoso y recibió numerosos premios y reconocimientos de diversas universidades de todo el mundo. Todo ello por idear y poner en marcha El sistema que, entre otros preciosos frutos, ha colocado en el mundo de la música al brillante y enérgico Gustavo Dudamel.

Desde 1975 son ya tres generaciones de intérpretes y estudiantes que conforman sus orquestas, conocen el valor de la superación y el poder adictivo de la música. Jóvenes que han tenido la oportunidad de establecer relaciones con otros jóvenes a partir de ella, integrados en un paisaje sonoro y motivador. Abreu, además, ha contribuido a generar y nutrir un público en constante desarrollo que  es motor de la buena salud de la vida musical en Latinoamérica.

La claridad de su pensamiento y la fortaleza de su voluntad fueron expresadas por él mismo al serle otorgado el  Premio Príncipe de Asturias de las Artes, en 2008:

“Cuando creé este proyecto, estaba seguro de que iba a llegar a este punto. Me movía una vocación muy fuerte, el deseo de que todos los niños pudiesen acceder a la educación que, gracias a Dios, tuve yo”

 

OFM

 

Su ejemplo fue seguido en otros lugares de América Latina, Estados Unidos y Europa y nadie, como el propio Abreu, puede explicarlo mejor:

 

 

 

Abreu decía, además:

“La música es un instrumento irreemplazable para unir a las personas”

 

Descanse en paz. Seguro que su reposo tendrá una extraordinaria banda sonora.

 

 

 

El Romanticismo silencioso. Berwald, Bruch y Schubert

 

 

La época romántica reserva aun, agazapadas, algunas partituras que poco a poco van tomando forma sonora gracias al interés de agrupaciones sinfónicas y de cámara por reavivar su repertorio y por dar un soplo de aire fresco que renueve el espacio sonoro de las salas de concierto.

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao interpreta por primera vez tres composiciones no demasiado habituales en el actual universo de la música sinfónica. Ellas conducirán nuestra escucha hacia territorios menos explorados del lenguaje romántico que, por causas varias, mantienen sus partituras en un silencioso compás de espera.

La BOS recibirá como solistas invitados a los hermanos Víctor y Luis del Valle, dos pianistas malagueños que interpretarán un concierto poco programado y precioso. El conjunto sinfónico estará dirigido por el director, también invitado, Martin Nagashima Toft.

De estas composiciones hablaremos en la charla previa al concierto que tendrá lugar el jueves 22 de marzo entre las 18:00 y las 19:00 hs y en la sala E  del Palacio Euskalduna (junto a la entrada de artistas).  A la charla se accede de manera gratuita con la entrada al concierto.

 

OFM

 

De espíritu inquieto e inteligencia fértil, Franz Berwald buscó a lo largo de su vida el reconocimiento a su talento musical, pero sin éxito. Sus circunstancias biográficas lo sitúan en una época repleta de destacados nombres propios y en un lugar en que la luz plena que irradiaron los compositores de las principales potencias musicales europeas dejó en la sombra muchas ubicaciones consideradas periféricas.

 

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Franz Berwald (Estocolmo, 1796 – Estocolmo 1868)

 

 

Recuerdos de los Alpes noruegos es un poema sinfónico sugestivo y transparente que fue compuesto en 1842 y no se publicó hasta 1948. En él, las ideas imaginativas se desarrollan milagrosamente a partir de unos medios armónicos sencillos. En el mismo sentido, la inspiración lírica de Berwald está perfectamente reflejada en el trazo firme y elemental de sus melodías.

Podemos escuchar esta obra, apenas conocida, en este enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=9QhHl1m_dB0

 

OFM

 

Max Bruch fue un compositor cuya voz se sigue escuchando principalmente a través de su Concierto para violín en sol menor –que eclipsa gran parte de su producción- o de su Kol Nidrei para violoncello y orquesta.

 

Max Bruch

Max Bruch (Colonia, 1838 – Berlin, 1920)

 

 

Tal vez su resistencia a las ideas progresistas de su época y la larga sombra de otro romántico tradicionalista como Brahms, mantiene en silencio gran parte de la obra de un compositor prolífico.

 

Las características específicas del piano como instrumento de cuerda percutida -y en este caso y por partida doble, de un gran piano de concierto- son integradas de manera magistral en el conjunto sonoro de su Concierto para dos pianos y orquesta en la bemol menor, escrito en 1915 por encargo de dos pianistas americanas, las hermanas Sutro, a quienes Bruch había conocido en su época de estudiantes en Berlín. La idea era que fuera interpretada por ellas en privado y que en ningún caso se publicara ni se estrenara en Europa. Pero ellas lo hicieron en Filadelfia en 1916 y de manera indigna: con todos los arreglos y simplificaciones que beneficiaban a su interpretación. Hubo que esperar al fallecimiento de ambas (Rose murió en 1957 y Ottilie en 1970) para que la partitura íntegra fuera reconstruida a partir de los originales que obraban en su poder. El concierto fue finalmente grabado en 1974 por los pianistas Martin Berkofsky y Nathan Twining, con la Orquesta Sinfónica de Londres y Antal Dorati a la batuta.

La música se mueve entre ideas de cualidad plenamente romántica, oscilando entre la vena lírica del compositor y la dramaturgia explícita, propia de una concertación entre una orquesta sinfónica y dos solistas poderosos.

En este enlace podemos escuchar la versión de las hermanas Katia y Marielle Labèque (¿qué tendrá este concierto, que favorece la fraternidad?):

https://www.youtube.com/watch?v=d2H3f5RYxms

 

OFM

 

Contemporáneo de Berwald y aun habiendo nacido y vivido -sin apenas salir de ella- en una ciudad vorazmente melómana, Franz Schubert no tuvo demasiada suerte en su carrera. Pasó su vida personal y profesional rodeado de una burguesía próspera que valoraba y gozaba de su inspiración sin límites -en lo que aún se denominan schubertiadas– pero sin contribuir a su mantenimiento.

 

Schubert

Franz Schubert (Viena, 1797-Viena, 1828)

 

 

La Sexta Sinfonía en Do Mayor fue escrita en apenas cuatro meses y concluida en 1818 siendo, por tanto, una obra de juventud -en realidad y por desgracia, Schubert fue siempre joven- y tal vez por esta razón el material que destaca, además de la deliciosa instrumentación, es de índole rítmica, con motivos más o menos breves que van enlazándose en unos diseños repetidos y vinculados a lo propiamente vienés y austriaco, tanto los que son de naturaleza vigorosa y de carácter popular, como los que asociamos al ambiente más sofisticado del salón. Además, una influencia gratamente representada en esta sinfonía es la de Rossini, cuya música causaba furor en Viena por aquellos años. Hay que lamentar que, pese a su bien diseñada hechura, a su fresca teatralidad y a su carácter alegre, Schubert no pudo disfrutar del estreno de su Sexta, que tuvo lugar unos días después del fallecimiento del compositor.

En este enlace se puede escuchar en la versión de John Elliot Gardiner al frente de la Filarmónica de Viena:

https://www.youtube.com/watch?v=rq5q3f4oCYY

 

OFM

 

Más información sobre este concierto en:

 

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-12-2017/#tab-1

 

Un delicioso programa para colorear esta lluviosa semana en que damos la bienvenida a la ansiada Primavera y que supone una gratísima ocasión de sacar de la sombra y poner altavoces a algunas partituras de una época desbordante de imaginación sonora.

Disfruten de ambas.

 

 

 

Plus. Un cuento musical

 

 

En la primera mitad del Siglo XX, Europa era un hervidero de ideas artísticas, los creadores estaban deseosos de romper con la tradición o, al menos, de enriquecerla. La Europa de entonces fue más.

 

PORTADA

 

 

Eso es lo que desde el Festival Musika-Música se ha querido transmitir al público de esta edición 2018 y también a los escolares de los cursos comprendidos entre 3º y 6º de Primaria que el pasado jueves se acercaron -y lo harán mañana martes de nuevo- al Palacio Euskalduna de Bilbao para encontrarse con el ave Plus y disfrutar de un espectáculo didáctico que, con arreglos musicales basados en Sibelius, Prokofiev y Falla, reúne en el escenario a los instrumentistas de Musbika -con Iraide Sarria y Elur Arrieta a los mandos- y a la actriz Getari Etxegarai.

 

OFM

 

Músicos y actriz pondrán en movimiento la historia de Plus, cuyo periplo musical y viajero tuve el gusto de escribir en forma de cuento para niños y que se puede resumir de esta manera:

“En la orilla más remota del país de las aves, muy lejos de la vieja Europa, vivía Plus. Harta de soportar el permanente graznido de su vecindario, había diseñado un plan: saldría a buscar nuevos sonidos con los que enriquecer el repertorio musical de sus aburridos paisanos y para ello dibujó un recorrido siguiendo el contorno de una imaginaria punta de flecha, como hacen las aves migratorias: primero iría hacia el Norte, después al Este y acabaría su expedición en el Sur.

 

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Según se acercaba a su primer destino, el aire se llenaba de sonidos poderosos y de todas partes surgía una música luminosa y repleta de fuerza. Siguió la ruta marcada y el Este se le ofreció lleno de variedad: Plus escuchaba sonidos originales en uno y otro rincón. La diversidad era enorme y los resultados deslumbrantes. Lo que Plus iba aprendiendo aumentaba sus ganas de conocer más y la música que escuchó en el Sur le dejó fascinada: la vitalidad de unos sonidos cálidos y bailarines se proyectaba en el espacio sonoro, elevaba su espíritu y le hacía planear.

 

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El viaje llegó a su fin. Los múltiples ecos de Europa flotaban en el aire y Plus alzó el vuelo, contemplando por última vez el rico paisaje sonoro que se extendía bajo sus alas. Estaba feliz porque regresaba a casa cargada de regalos para todos los oídos: eran los nuevos sonidos que llenarían su gris vecindario con los colores de la música.”

 

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Al relato se sumaron las hermosísimas y sugerentes ilustraciones Janire Soldevilla, recogidas en este friso:

 

FRISO (2)

 

 

Al final de cada pase del espectáculo Plus, los escolares se van a casa con un ejemplar del cuento y -es nuestro deseo- con las ganas de seguir disfrutando de la música en directo, como intérpretes o como felices escuchantes.

 

 

 

Encuentro con la Orquesta de Cámara de Europa

 

 

Hoy sábado día 3, a las 18:00 hs. y en la Sala B Terraza del Palacio Euskalduna, tendré el placer de moderar un encuentro entre el público y algunos miembros de la formidable Orquesta de Cámara de Europa, que ofrece tres atractivos y originales programas en el marco del Festival Musika-Música 2018.

 

COE 2

 

 

Toda una proeza, en tan solo dos días, que para una agrupación de esta categoría no representa mayor dificultad. Para nosotros supone, sin embargo, la magnífica oportunidad de escuchar en directo y por un precio casi simbólico a una de las mejores orquestas de cámara del momento, que ha trabajado con directores de la talla de Claudio Abbado y Nikolaus Harnoncourt, colabora en la actualidad con los directores Bernard Haitink, András Schiff, Yannick Nézet-Séguin, Vladimir Jurowski o Matthias Pintscher y con muchos grandes solistas, participa habitualmente en festivales de la talla de Lucerna o Baden-Baden y ha grabado para los más importantes sellos discográficos.

 

 

OFM

 

 

Los programas que ofrecerán en Bilbao son frescos y deliciosos. Hoy sábado a las 20:00 hs, nos sumergirán de lleno en aquel París del primer tercio de Siglo XX que, reivindicando el hedonismo y la belleza, buscaba en el arte la diversión y el placer y lo harán a través de un programa pleno de humor, fantasía y frescura que reúne la suite de La revue de cuisine de Bohuslav Martinů, que narra el disparatado triángulo amoroso entre unos utensilios de cocina, haciendo de la historieta un delicioso divertimento, pleno de vitalidad, colorido armónico y ligereza instrumental y Ma Mère l’oye de Maurice Ravel quien, inspirándose en algunos de los cuentos favoritos de dos pequeños amigos, escribió una serie de piezas impregnadas de matices tímbricos y fantasía sonora y de esa sensación de milagro que es atributo de niños y artistas.

El domingo día 4 a las 11:00 podremos escuchar dos obras estrenadas en París en la década de 1920: el Concierto para flauta de Carl Nielsen, que exhala algunos rasgos de ambiente neoclásico, como la trasparencia y la solemne hermosura de varios de sus pasajes y en el que podremos disfrutar de la ligereza de la flauta solista, la claridad de su timbre y la ductilidad de su canto gracias a la excelente flautista Clara Andrada de la Calle y la suite orquestal Pulcinella de Stravinsky, que supuso una radiante renovación de la herencia musical del pasado, con el uso de etéreas disonancias, irregularidades rítmicas y una instrumentación sutil y fresca que la enriquecieron y le aportaron ese atractivo inconfundible que llegó a convertirla en una de las composiciones más significativas del siglo pasado.

El último programa, que ofrecerán el domingo a las 20:00, nos situará en el rutilante eje París-Viena pues, aun dándose el caso de que ninguna de las obras fue estrenada en estas ciudades, las representan. La primera, un encargo de la BBC tras la Segunda Guerra Mundial que buscaba el retorno a la normalidad, es la Sinfonietta de Francis Poulenc que derrocha encanto, un romanticismo sin desgarro y la chispeante elegancia de la estética francesa. La segunda obra del programa es la Sinfonía de cámara nº 2 de Arnold Schoenberg, un judío vienés que habiendo declarado la creación de un sistema para garantizar la supremacía de la música alemana, tuvo que exiliarse habiendo modificado, en un gesto significativo, la grafía de su apellido. La obra, estrenada en Nueva York en 1940, suena densa y emotiva.

Quien quiera conocer mejor a la Orquesta de Cámara de Europa, puede asomarse a su web:

https://www.coeurope.org/

 

Y acompañarnos esta tarde. Disfruten.

 

 

Musika-Música 2018

 

Ya está aquí. Un año más, la Fundación Bilbao700 programa un Festival repleto de música para todo tipo de público: pequeños, mayores y más mayores; aficionados y profesionales; audiencias esporádicas y aquellas que son asiduas a los conciertos sinfónicos o a los recitales de cámara; ciudadanía local y quienes nos visitan año tras año en una cita tan esperada como grata. Melómanos de toda índole disfrutarán en Bilbao de este especial encuentro que, durante el primer fin de semana de marzo, ayuda -en parte- a aliviar el pesado invierno.

 

musika musica 2018

 

 

En esta edición, las coordenadas espaciotemporales nos sitúan en un contexto muy cercano a nosotros y del que –en gran medida- aun conservamos la herencia: Europa en la primera mitad del Siglo XX. La programación es variadísima en contenido y extraordinaria en intérpretes y se puede consultar con detalle en este enlace:

 

Musica Musika 2018

 

 

OFM

 

 

Como preludio al Festival, el próximo viernes 16 de febrero y en un lugar tan emblemático para la cultura en Bilbao como es la Biblioteca de Bidebarrieta, tendré el gusto de hacer una introducción con la que enmarcar aquel importantísimo periodo en la evolución del lenguaje musical.

Hablaremos de música y la escucharemos, ya que estarán presentes -a través de sus obras- algunos compositores vascos como Madame de Mazarredo, Jesús Guridi, Pablo Sorozábal y Félix Lavilla. Interpretarán sus partituras la soprano Helena Orcoyen y la mezzosoprano Maite Maruri, acompañadas al piano por Iñaki Belasko. La cita es a las 19:30 hs. y la entrada libre.

Jesús Guridi, que será invitado principal en Bidebarrieta, decía:

“Si algún valor encierran mis obras, debe hallarse en el sentimiento.

Aspiro a que mi música viva por si sola”.

 

 

Todos los detalles acerca del Festival están en la web de la Fundación:

http://www.bilbao700.eus/eventos/

 

Disfruten Musika-Música.

 

 

Nos hablan en su música: Shostakovich y Tchaikovsky en la BOS

 

 

Esta semana, la Orquesta Sinfonica de Bilbao y el violinista Ning Feng, dirigidos por Giancarlo Guerrero, interpretarán música del repertorio ruso.

Las coordenadas del programa sitúan el estreno de las obras en San Petersburgo y su concepción en un lapso de poco más de cincuenta años. Sin embargo, pese a la cercanía espaciotemporal, pudiera parecer que a estas creaciones las separa un abismo… ¿O tal vez no tanto? Sin duda, los rasgos comunes son múltiples y de ellos hablaremos en la charla previa al concierto que tendrá lugar el viernes 2 de febrero entre las 18:00 y las 19:00 hs, en la sala B1 del Palacio Euskalduna y, aún mejor, podremos disfrutarlos desde el patio de butacas.

 

OFM

 

Indicaremos aquí algunas de esas características comunes -que lo son a la mayor parte de la producción musical rusa-, destacando en primer plano que este pueblo dotado para la música siempre consideró a ésta como vehículo fundamental para la comunicación entre las personas. La idea de que el arte es una fuente de expresión que establece vínculos socialmente significativos hunde sus raíces en el clima intelectual que exhaló la Rusia del siglo XIX. Para escritores como Tolstoi y Dostoievsky y músicos como Mussorgsky o Glinka y, por supuesto, Tchaikovsky y Shostakovich (éste ya en el siglo XX), las diferentes manifestaciones artísticas suponían un inestimable medio de transmisión de sentimientos y emociones humanas. Por ello, los autores del programa de esta semana pretendieron hacernos llegar sus ideas musicales y lo que éstas llevan asociado: el contenido secreto cosido a la música.

 

Shostakovich

Dmitri Shostakovich (San Petersburgo, 1906 – Moscú, 1975)

 

“Creo que todo aquel artista que se aísla del mundo está condenado. Me parece increíble querer excluirse del pueblo que, en última instancia, constituye el auditorio. Siempre trato de hacerme entender lo más ampliamente posible y si no lo logro, lo considero mi propia culpa”

 

Esto decía Shostakovich en su afán por conectar con otros a través de su música y Tchaikovsky, a pesar de su duda perpetua y su desazón constante, afirmaba esto:

 

“Me parece que estoy verdaderamente dotado de la facultad de expresar con música -de manera verídica, sincera y sencilla- sentimientos, estados de ánimo e imágenes. En este sentido soy realista y un hombre esencialmente ruso”

 

Tchaikovsky

Piotr Ilich Tchaikovsky (Votkinsk, 1840 – San Petersburgo, 1893)

 

 

OFM

 

Por otra parte, el repertorio ruso siempre ha mantenido ese halo atrayente de lo salvaje enlazado a la civilización, en una feliz paradoja que enfrentaba la resistencia tenaz a toda influencia exterior con el ansia de zambullirse de lleno en la fecunda corriente extranjera.

Otras cualidades comunes las encontramos en los propios parámetros que constituyen el lenguaje musical ruso –del cual son brillante paradigma Shostakovich y Tchaikovsky. En primer lugar, el manejo de la orquestación en todo su poderío y en todos sus matices, el gusto por los ritmos excitantes -sugeridos o fuertemente marcados-, la predilección por las formas directas basadas en la repetición y en la secuencia y la utilización exuberante de temas populares y de giros de aroma original.

Además podemos encontrar una semejanza entre ambos compositores de índole biográfica: los dos tuvieron padres ingenieros (el de Shostakovich fue, además, químico) y madres pianistas (diletante la de Tchaikovsky, profesional la de Shostakovich) y el ambiente familiar melómano de uno y otro favorecía el desarrollo de sus talentos. Además, tanto uno como otro nacieron en la Rusia imperial de los Romanov, si bien es cierto que no en el mismo momento histórico…

Pero una de las coincidencias más sugerentes en el ámbito de lo personal y privado es la extraordinaria manera que tuvieron ambos de sublimar su alma en su música, haciendo que por los poros de sus pentagramas transpiraran sus miedos, sus deseos, sus inquietudes y sus ideas y pasiones inconfesables. La música les permitió respirar y contar lo que no pudieron decir con palabras.

 

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Dmitri Shostakovich, uno de los músicos más polifacéticos y sobresalientes del siglo pasado y con tanto que enseñar, fue apartado de la docencia y condenado a un limbo desquiciante y a un silencio irracional por Stalin y sus secuaces. Su música, fue retirada de los programas e injuriada por analistas ignorantes. El Concierto para violín nº 1 en la menor había permanecido mudo desde que fuera escrito entre 1947 y 1948, a la espera de tiempos más favorables para su escucha. El 29 de octubre de 1955 este concierto se hizo sonoro gracias a la Orquesta Filarmónica de Leningrado, a la batuta de Evgeny Mravinsky y a las prodigiosas manos de David Oistrakh, quien con su amistad inquebrantable había acompañado a Shostakovich en los momentos oscuros y había estimulado la composición de la partitura.

En este enlace podemos escuchar una versión histórica con el propio David Oistrakh y la orquesta de la Staatskapelle de Berlin, dirigida por Heinz Fricke. La versión está acompañada de numerosas fotografías de Shostakovich, Oistrakh y Mravinsky:

 

 

 

 

Escrito para sí mismo, a sabiendas de que no iba a ser estrenado, el concierto es una obra personal, profunda y sensitiva

 

 

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Décadas antes, una pátina de urbana gentileza maquillaba en Piotr Ilich Tchaikovsky la desesperación, casi congénita, que él mismo verbalizaba en una carta a su hermano Anatol: “Lamentando el pasado y confiando en el futuro, sin estar nunca satisfecho del presente: así ha transcurrido mi vida”. Para el atormentado compositor la música fue, a un tiempo, obsesión y alivio de la obsesión. La Sinfonía nº 6 en si menor Op 74 fue estrenada en la Sociedad Musical Rusa de San Petersburgo el 28 de octubre de 1893, bajo la dirección de su autor que moriría solo unos días después. En opinión de su hermano Modest, Tchaikovsky quiso con esta sinfonía “exorcizar todos los sombríos demonios que le poseían desde hacía largo tiempo”.

Pero esta obra es mucho más que puro pathos: “Habrá muchas innovaciones formales en esta sinfonía” escribió el compositor a su sobrino Bobik, a quien la obra está dedicada. Y en efecto, la partitura supuso un originalísimo tratamiento del género y es un radiante ejemplo de la musa inspirando la escritura sinfónica.

En este enlace podemos escuchar otra interpretación rusa, la de Yuri Temirkanov al frente de la entonces Kirov Orchestra (hoy Mariinsky):

 

 

 

 

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Más información sobre el concierto en:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-10-2017/#tab-1

 

 

La música como catarsis y como modo de vida. Shostakovich y Tchaikovsky haciéndonos partícipes de ambas. Disfruten escuchando lo que nos cuentan en sus notas y lo que late escondido entre ellas.