Una brizna de eternidad. Mahler en la BOS

 

 

Más de cien años después de su composición, la Quinta Sinfonía de Mahler sigue resultando atractiva a nuestros oídos. Su discurso mantiene nuestro pensamiento atento al devenir de la música, al tiempo que nos conmueve y nos maravilla. Probablemente esto sea así porque la Quinta nació -como toda la obra de este hombre repleto de incertidumbres vitales y de férreas convicciones estéticas- de la sinceridad.

 

 

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Gustav Mahler (Kaliste-Bohemia, 1860 – Viena, 1911)

 

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Esta semana, la Orquesta Sinfónica de Bilbao nos ofrece la Quinta Sinfonía bajo la dirección de un experto en la materia: Eliahu Inbal. El viernes día 26, a las 18:00 hs y en la sala B Terraza del Palacio Euskalduna, tendré el enorme placer de presentar esta extraordinaria sinfonía, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

Y el placer será grande porque es esta una partitura que rebosa humanidad. La misma que Mahler  reivindicaba y anhelaba, manteniéndose difícilmente a flote en un océano de contradicciones: las propias de un judío que solo podía alimentar su talento con tenacidad, en un mundo de oropel decadente, superficial y antisemita, que tenía su epicentro en la capital del Imperio austro-húngaro.

 

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Palacio imperial Hofburg, en Viena

 

 

Viena simbolizaba la paradoja, pues era el espléndido exponente de una manera de vivir un sueño de lujo y desenfreno cotidiano, al borde de la quiebra: la corona real e imperial de los Habsburgo se asomaba al abismo de la Primera Guerra Mundial mientras, en Viena, las tensiones entre los últimos vestigios de la belleza alimentada de refinamiento y equilibrio y las fuerzas incontrolables del expresionismo y el ansia de innovación hacían convivir la pintura de Oskar Kokoschka y Egon Schiele con la de Gustav Klimt; los textos de Robert Musil con los de Hugo von Hofmannsthal y la arquitectura de Otto Wagner con la de Adolf Loos. En aquella Viena de principios del siglo XX, dio a conocer Freud una nueva manera de comprender las raíces del comportamiento humano y unas técnicas de tratamiento de la neurosis que reunió bajo el término ‘psicoanálisis’, allí cambió Wittgenstein el rumbo de la filosofía alemana y Schönberg diseñó el dodecafonismo. Pero en esa Viena pletórica de pensamiento, arte y cultura, la miseria, la insalubridad, el desempleo, la prostitución y la corrupción ahogaban a una ciudadanía invisible para las clases altas, incapaces de ver y oír lo que era evidencia y estruendo.

 

 

 

              El beso de Gustav Klimt                  Agonía de Egon Schiele

 

 

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En ese marco histórico y artístico, en esa ciudad que admiraba y despreciaba a Mahler a partes iguales -de nuevo la irreconciliable dicotomía-, desarrolló el músico su titánica carrera como uno de los grandes directores de la Historia y compositor de una magna obra sinfónica: genuina, frondosa, lírica y robusta, como la madre Naturaleza que Mahler reverenciaba y disfrutaba con pasión. Una obra que nos sigue complaciendo porque habla de vida. Desde luego, de la vida de Mahler –lo decía Pierre Boulez: “La música, en Mahler, no desmiente el argumento biográfico”– pero también, y en parte, de la vida de cada uno de nosotros:

“Convertiré el dolor en música, y no sólo el dolor. Crearé un mundo musical en el que todo tenga cabida: la noche y el día, la luz y la oscuridad, la risa y el llanto, el helado invierno y la alegre primavera, el ardiente verano y el melancólico otoño, el amanecer y el crepúsculo. La alegría y el sufrimiento se convertirán en música.”

 

Con esta declaración describía Mahler su intención de poner sonido a un universo, el humano, repleto de contradicciones, paradojas, anhelos, dudas y realidades:

Para mí, escribir una sinfonía es como construir un mundo.”

 

Para nosotros, es como si Mahler pretendiera que una brizna de eternidad viniera a fecundar nuestro tiempo vital…

 

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Una de las pocas imágenes en la que aparece Mahler sonriendo.

Aquí, en 1906, en Zuiderzee, Holanda

 

 

 

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Mahler creía en el progreso del género humano y en la misión redentora del arte, pero su pensamiento no se quedó en la dimensión humana que reside en el interior de las personas, sino que entendió la plena humanidad desplegada en comunión con la Naturaleza, entreverada con ella. En 1884 escribía:

“Debo recorrer toda la belleza que existe sobre la verde tierra.”

 

 Y más tarde se reafirmaba:

“Mi música es, siempre y en toda su extensión, un sonido de la Naturaleza.”

 

Y es que la Naturaleza, en su inabarcable magnitud, suponía para Mahler refugio, fuente de inspiración y metáfora de su cosmos musical: variado pero coherente, repleto de detalles infinitos, pero vertebrado por la unidad. Mahler comenzó su Quinta Sinfonía durante las vacaciones del verano de 1901, en la casa que se había hecho construir en Maiernigg a orillas del lago Worthersee y en un momento de seguridad en sí mismo:

 

“Me siento en plena posesión de mis poderes y de mi técnica, percibo que domino mis medios de expresión y me considero capaz de realizar cualquier cosa que me proponga.”

 

Era la época en que conoció y se casó con Alma Schindler. Él tenía cuarenta y un años. Ella, veintidós.

 

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Villa Mahler en Maiernigg

 

 

En la Quinta Sinfonía, Mahler prescindió de un programa extramusical y pretendió música abstracta, absoluta, no inspirada en conceptos filosóficos o espirituales:

“No habrá en mi obra elementos románticos o místicos; será la expresión, simplemente, de un poder sin paralelo, de la actividad de un hombre a la luz del sol, un hombre que ha alcanzado su clímax vital”.

Terminó la sinfonía en el otoño de 1902.

 

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La fascinación de la Quinta de Mahler no ha caducado en el siglo XXI. Probablemente -queda dicho- porque nació de la autenticidad, pero quizá también sea cierto que Mahler se anticipaba a una época que estaba por venir. Leonard Bernstein, uno de los principales artífices del renacimiento mahleriano en los años sesenta del siglo XX opinaba que “tan sólo después de haber experimentado todo esto a través de los humeantes hornos de Auschwitz, las junglas frenéticamente bombardeadas de Vietnam, el asesinato de Dallas, la arrogancia de Sudáfrica, las purgas trotskistas, el Poder Negro, las Guardias Rojas, la plaga del macartismo, la desenfrenada carrera armamentística… Únicamente después de todo eso podemos escuchar finalmente la música de Mahler y entender que lo predijo todo”.

Visionaria y hermosa, en palabras de Bruno Walter “la Quinta es unas veces apasionada y otras salvaje, heroica, exuberante, ardiente, solemne o tierna, recorriendo toda la gama posible de emociones”. Para Herbert von Karajan, “una buena interpretación de la Quinta de Mahler es una experiencia transformadora. El fantástico final te obliga a contener la respiración. Cuando alguien escucha la Quinta, olvida que el tiempo ha pasado”.

De lo que no cabe duda es de que la música de Mahler supone un paréntesis de belleza en el flujo de la rutina, un instante de éxtasis estético que ilumina nuestra cotidianidad.

A Gustav Mahler nos hemos referido en otras ocasiones en este cuaderno virtual:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2014/07/07/gustav-mahler/

 

 

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En este enlace podemos escuchar a la Orquesta Sinfónica de Radio Frankfurt, dirigida por Eliahu Inbal. Una excelente versión, de suntuosa sonoridad, la de este gran conocedor de la obra de Mahler que es, hoy día, uno de los directores de referencia del sinfonismo mahleriano que permanecen en activo:

 

 

 

 

 

En cualquier caso, no cabe duda de que nada iguala a la música en directo, por lo que será toda una experiencia acudir esta semana a la cita con la Orquesta Sinfónica de Bilbao bajo la batuta de Eliahu Inbal, acomodarse en la butaca y contemplar con los oídos atentos un universo sonoro preñado de sentimientos, contradicciones, vacilaciones y anhelos y festejar la vida a través de esta deslumbrante y heterodoxa unidad que es el pensamiento musical de Mahler.

 

Más información sobre el concierto en este enlace:

https://bilbaorkestra.eus/

 

Todo un festín para el alma y el oído. Disfruten.

 

 

 

 

 

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Entre el virtuosismo y la admiración. Concierto de la BOS

 

 

Esta semana, dos instrumentos serán protagonistas en el 12º concierto de temporada de la Orquesta Sinfónica de Bilbao: la voz de soprano y el oboe.

Otro factor que hace especial y atractivo este concierto es el hecho de que asistiremos a un reestreno a nivel mundial: el del concierto nº 5 de los de París del oboísta y compositor  Ludwig Lebrun. Los protagonistas en el escenario, junto a la BOS, serán la jovencísima y extraordinaria soprano Marina Monzó y el oboe solista de la BOS Nicolás Carpentier, dirigidos por el bilbaino de nacimiento Diego Martín-Etxebarria.

El programa dará comienzo, de manera adecuada, con una Obertura: la de la ópera Così fan tutte que Wolfgang Amadeus Mozart escribió en 1790 y seguirá con el aria de concierto Vorrei Spiegarvi, oh Dio, que el compositor escribió en 1783, a petición de su cuñada la soprano Aloysia Weber. Ambas partituras fueron estrenadas en Viena y en ambas el oboe tiene un papel estelar.

 

MOZART

Wolfang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756 – Viena, 1791)

 

 

 

 

En este enlace podemos escuchar el aria Vorrei spiegarvi, Oh Dio! K 418 en las hermosas voces de Kathleen Battle y el oboe solista de la Royal Philharmonic, dirigidos por el recientemente fallecido André Previn:

https://www.youtube.com/watch?v=8afClNrR6b8

 

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Después, el reestreno. Ludwig Lebrun fue uno de los principales intérpretes de oboe de su época.

 

Lebrun

Ludwig August Lebrun (Manheim, 1752 – Berlin, 1790)

 

 

 

Para este instrumento y para su vida profesional, centrada en recorrer las ciudades musicalmente más sobresalientes de la Europa de finales del siglo XVIII, escribió Lebrun este concierto y otros doce. Pero, además, en esta vida itinerante de conciertos y recitales por las mejores salas europeas, estuvo acompañado por su esposa, la también compositora y soprano Franciska Danzi, para quien escribieron arias las mejores plumas de la época.

 

Danzi y Lebrun

Siluetas de Ludwig August Lebrun y Franziska Danzi, hacia 1780

 

 

 

Para Franciska escribió Antonio Salieri su Quando piu irato freme, aria de la ópera Europa riconosciuta que fue programada en la inauguración, en  1778, del Teatro Alla Scala de Milán.

 

Salieri

 

Antonio Salieri (Legnago – Venecia, 1750 – Viena, 1825)

 

 

Antonio Salieri dirigió el estreno y Franciska Danzi hizo el papel de Semele.

Su fama era tal que, en 1780, Thomas Gainsborough le hizo este cuidado retrato:

Danzi

Franziska Danzi (Mannheim, 1756 – Berlin, 1791) 

 

 

 

Pinchando aquí podemos asistir a un ensayo de este aria de Salieri, Quando piu irato freme, protagonizado por la virtuosa soprano Diana Damrau:

https://www.youtube.com/watch?v=ms1GcIx6QJE

 

 

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Y esta hermosísima Vista de Florencia pintó Felix Mendelssohn durante el viaje por Italia que su familia le ofreció como elemento imprescindible de su educación, al alcanzar la mayoría de edad:

 

Florencia

Vista de Florencia (Acuarela de F. Mendelssohn, 1830)

Pero el compositor también hizo una feliz pintura sonora de su experiencia italiana en la que admiró paisajes, costumbres y pudo disfrutar de un lenguaje genuino y atractivo en sus dos vertientes: verbal y musical. Esta fascinación quedó reflejada en la Cuarta Sinfonía en La Mayor,  Op 90 llamada precisamente “Italiana”

 

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Este concierto, que destila virtuosismo y recoge la admiración de unos músicos por otros y de todos por la propia música, podrá escucharse -mañana y pasado mañana- a partir de las 19:30 hs.

El jueves día 21, a las 18:00 hs y en la sala B Terraza del palacio Euskalduna, tendré el gusto de presentar este especial programa, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

Para admirar y disfrutar.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Musika-Música 2019. Encuentros con artistas

 

Siguiendo la línea de ediciones anteriores, de nuevo el Festival Musika-Música de Bilbao propone este año dos Encuentros con artistas, con la intención de que el público pueda conocer de cerca los entresijos de un evento musical de esta magnitud y entienda mejor aquello de lo que tanto disfruta, para disfrutarlo aún más.

 

 

encuentros-con-artistas-musika-musica-2019

 

 

En esta ocasión los encuentros serán de distinta índole y complementarios entre sí, de manera que se cree un espacio en el que el público pueda conocer, de primera mano, detalles acerca de la profesión musical, recibiendo explicaciones de sus protagonistas o planteando cuestiones que susciten su curiosidad ante un acontecimiento musical de estas características.

 

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La primera convocatoria  será el sábado, 2 de marzo, a las 18:00 hs. en la Sala B Terraza del Palacio Euskalduna, con los seis extraordinarios intérpretes del Rubik Ensemble:

 

RUBIK ENSEMBLE

 

 

La variedad y originalidad de los tres programas que ofrecerán en el Festival –que abarcan desde Vaughan Williams a los Rolling Stones, pasando por Gershwin, Bernstein o Barber- y la juventud y talento de sus componentes, auguran una reunión fresca y nutritiva para nuestro apetito musical.

 

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El segundo encuentro tendrá lugar el domingo, 3 de marzo, a las 12:00 hs. también en la Sala B Terraza. En esta ocasión, con la Orquestra Simfònica Camera Musicae:

 

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Esta agrupación joven y versátil presenta en el Festival dos programas americanos potentes y atractivos: uno “de cine” –grande, John Williams- y otro que recorre el continente de Norte a Sur –de Barber a Piazzola. En esta ocasión nos reuniremos con el director artístico de la orquesta y los responsables de producción y comunicación. Todos ellos podrán contarnos qué acontece entre bambalinas en cuanto al diseño, puesta en marcha y divulgación de un programa de música.

 

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El objetivo de estos “encuentros con artistas” es que el público conozca de primera mano, a través de los relatos de diversos profesionales, qué hay detrás de una  propuesta de música clásica y cuál es el proceso de creación, interpretación, programación o difusión de un concierto o temporada de conciertos. La explicación se abrirá a las preguntas y comentarios de quienes deseen participar.

Ambos encuentros están pensados para todo tipo de público: más o menos melómano, con o sin formación musical, aficionados al ocio cultural, profesionales o estudiantes de música… y son de acceso libre y gratuito, habiendo adquirido una entrada para cualquier concierto del Festival. Yo, por mi parte, tendré el gusto de presentar ambas agrupaciones y de aprender junto al público que quiera acercarse.

 

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Bienvenidos sean todos a estas dos citas que pretenden mediar entre lo que sucede en el escenario y en el patio de butacas, desdibujando así lo que ha dado en llamarse “la cuarta pared”. Disfruten.

 

 

Musika-Música 2019. De Londres a Nueva York (y vuelta)

 

Ya está aquí. Un año más, la Fundación Bilbao700 programa un Festival repleto de música para todo tipo de público: pequeños, mayores y más mayores; aficionados y profesionales; audiencias esporádicas y aquellas que son asiduas a los conciertos sinfónicos o a los recitales de cámara; ciudadanía local y quienes nos visitan año tras año en una cita tan esperada como grata. Melómanos de toda índole disfrutarán en Bilbao de este especial encuentro que durante el primer fin de semana de marzo anticipa la Primavera.

 

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En esta edición, la propuesta se sitúa en torno a dos ejes: Londres y Nueva York y su enorme área de influencia. La programación es variadísima en contenido y extraordinaria en intérpretes y se puede consultar con detalle en este enlace:

 

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Como preludio al Festival, tendré el gusto de hacer una introducción al repertorio los próximos días jueves 14 de febrero, en Biblioteca de Bidebarrieta y viernes 15 de febrero en el Auditorio del Instituto Miguel de Unamuno (calle Licenciado Poza nº 1).

Hablaremos de música y la escucharemos, ya que estarán presentes, a través de sus obras, Gustav Holst, en representación de la música británica y Leonard Bernstein como embajador musical norteamericano. Interpretará sus partituras Musbika Ensemble, conjunto formado por dos violines, viola, violoncello, contrabajo, clarinete y percusión.

La cita es, ambos días, a las 19:30 hs. de la tarde y la entrada, libre.

 

 

 

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Todos los detalles acerca del Festival están en este enlace:

http://www.bilbao700.eus/musika-musica/2019

 

Leonard Bernstein decía: “La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido”. Disfrutémosla.

 

 

 

Los sonidos de América. Concierto de la BOS

 

 

El convulso siglo XIX provocó en América el florecimiento de unas ideas literarias, filosóficas y artísticas que aún no habían visto la luz, agazapadas como estaban bajo el influjo de la sabia Europa. Estos nuevos materiales surgieron en el seno de la misma tierra americana, fruto de la comunión entre una Naturaleza exuberante y vigorosa y el pulso inflamado de sus ilusionados habitantes. Pero este despertar tardó algo más en llegar a la música: lo hizo coincidiendo con el cambio de siglo y desató una ráfaga de viento que recorrió el continente de Norte a Sur, abriendo de par en par los oídos de América a la creatividad de sus compositores.

El programa de esta semana de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, con el director mejicano Carlos Miguel Prieto al frente y Philippe Quint como violín solista, recogerá ese soplo de aire fresco y llenará el Auditorio del Palacio Euskalduna de colorido musical.

El jueves día 31, a las 18:00 hs y en la sala B Terraza del Euskalduna, tendré el gusto de presentar este deslumbrante programa, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

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El estallido de la pasión americana se percibirá desde el principio con El salón México de Aaron Copland.

 

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Aaron Copland (Nueva York,1900 – Nueva York,1990)

 

 

Esta es la primera obra del catálogo de Copland escrita con el objetivo de reflejar musicalmente las experiencias sonoras comunes a la mayoría de sus contemporáneos continentales y de hacer para ellos una música más cercana que recogiera motivos melódicos, células rítmicas, efectos orquestales y diseños armónicos que la mayoría -en este caso, la mayoría americana- pudiera reconocer y, por tanto, disfrutar. Este espíritu creativo enlazó con la ideología basada en la “democratización de la cultura”, que promulgaron las autoridades norteamericanas tras el descalabro económico y social -la Gran Depresión- que había desencadenado el batacazo de la bolsa en 1929. Por otra parte, Copland visitó en varias ocasiones Latinoamérica con el fin de promover los intercambios musicales en el marco de un programa diplomático, auspiciado por el gobierno, que se llamó “Buen Vecino” (tal vez alguien debería retomar la idea).

El punto de partida de El salón México fue la gozosa experiencia que el compositor vivió en una visita a este país en 1932 y que se manifiesta en el colorido armónico, la frescura melódica, el brillo tímbrico y, sobre todo, en el derroche de ritmos cruzados y sus ecos, que dan a la pieza un permanente aire de danza.

Unos años después de su estreno, la popularidad de la partitura creció al ser arreglada para la película musical Fiesta, que el director Richard Thorpe rodó en 1947. Copland tuvo otros éxitos en el mundo del cine y dos años más tarde recibió el óscar a la mejor banda sonora por la música de La heredera (extraordinaria Olivia de Havilland).

 

En el enlace de abajo podemos escuchar al propio compositor dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Nueva York –por cierto, es presentado por Leonard Bernstein, titular entonces de la orquesta neoyorquina:

https://www.youtube.com/watch?v=Qj-98yBfEI0

 

 

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Como reposo tras una danza estimulante, la BOS nos propone una música inspirada por la filosofía: la Serenade para violín de Leonard Bernstein.

 

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 Leonard Bernstein (Lawrence, Massachusetts, 1918 – Nueva York, 1990)

 

 

Es esta una composición eminentemente reflexiva y dialéctica, como la fuente que la alimenta: El banquete de Platón. Para escribir la música -como le sucedió tantas otras veces-, Bernstein encontró la inspiración en un material extramusical: la relectura de la obra del filósofo griego que escenifica una sobremesa en que seis personajes dialogan, haciendo un encomio sobre el Amor y la importancia de éste en la vida de las personas, a través de sucesivos discursos. Sus razonamientos incluyen diferentes perspectivas: la salud, lo mítico, el origen de la atracción mutua, el amor perfecto, el contemplativo… convirtiendo el conjunto en una interesante y poliédrica definición del Amor. El violín, como solista, encadena su canto a varias de las meditaciones recogidas en El banquete, al tiempo que debe concertar con el arpa, la percusión y una orquesta de cuerda.

En este enlace podemos escuchar también al propio compositor dirigiendo su obra al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres y con Gidon Kremer como solista –es lo que tiene escuchar música del siglo XX que, además, ha sido compuesta por directores:

https://www.youtube.com/watch?v=FTDtc5Rty4I

 

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Y la segunda parte del programa dará comienzo con un “cuadro sinfónico” surgido de la ópera Porgy and Bess, con la que George Gershwin consolidó su madurez musical.

 

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George Gershwin (Nueva York, 1898 – Beverly Hills-California, 1937)

 

 

La ópera fue estrenada en el Teatro Colonial de Boston, el 30 de septiembre de 1935 y la partitura es tan extraordinaria que el gran Fritz Reiner, siendo director de la Orquesta Sinfónica de Pittsburg, encargó una versión orquestal. El encargo de este “cuadro sinfónico” recayó en Robert Russell Bennett, uno de los principales arreglistas y orquestadores de Broadway. Russell Bennett había trabajado con músicos de la talla de Jerome Kern, Irving Berlin, el propio George Gershwin, Cole Porter, Frederick Loewe o Richard Rodgers, contribuyendo a perfilar la sonoridad del musical norteamericano. La elección no podía haber sido más acertada ya que, en la suite, supo reflejar toda la frescura y la sensibilidad del original y el enlace entre los números es muy efectivo, permitiendo al oyente visitar varios de los momentos estelares de la ópera: desde el trepidante preludio hasta el conmovedor dúo de amor entre Porgy y Bess, pasando por la irrepetible canción de cuna Summertime, la representación de la vida cotidiana en la comunidad o la expresión de la alegría de vivir y la plenitud que siente Porgy al poseer lo más básico, y que toma forma sonora en la entrañable voz del banjo. En el siguiente enlace podemos apreciar la riqueza de la orquestación que incluye varios saxofones y una nutrida sección de percusión. La versión es de André Previn dirigiendo a la Sinfónica de Londres:

https://www.youtube.com/watch?v=Vj-kSofpSW4

 

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Y el cierre a este programa lo pondrán cuatro de las danzas del ballet Estancia del compositor argentino Alberto Ginastera que, con su espectacular potencia expansiva, reflejan toda la dureza del trabajo en el campo y la energía de la tierra.

 

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Alberto Ginastera (Buenos Aires, 1916 – Ginebra, 1983)

 

 

Una estancia es una hacienda dedicada a la cría de ganado en las extensas llanuras de la Pampa argentina, paisaje que había impactado a Ginastera desde niño: “Siempre que cruzaba la Pampa o vivía allí durante algún tiempo, mi espíritu se inundaba de impresiones cambiantes, todas provocadas por esa inmensidad sin límites”. Con esta obra Ginastera reivindica la Argentina rural, la de los gauchos y las estancias y para establecer la secuencia temporal que vertebró el ballet, el músico recurrió a una espléndida fuente: Martin Fierro, el poema épico que José Hernández completó en 1872 y que relata de forma realista y conmovedora la dura jornada del gaucho:

“Aquí me pongo a cantar, al compás de la vigüela, que el hombre que lo desvela una pena extraordinaria, como la ave solitaria, con el cantar se consuela…”

 

Música de ritmos furiosos, acrobacias orquestales y color de destellos veloces y salvajes.

En este enlace podemos saborear la vibrante versión de Gustavo Dudamel dirigiendo a la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, en un derroche de ardor latino. Todo un regalo para los oídos en el calor del verano londinense de los PROMS, que se vuelve entrañable cuando leemos en los labios de Dudamel: “qué bien, ¿no?”, dirigido a la primera fila de la orquesta que, emocionada bajo el rugido de un público entregado, intenta salir del trance al que la ha sometido el Malambo final. ¡Quién hubiese estado allí!

Ojalá estos jóvenes talentosos y motivados pongan siempre su energía en construir hermosísimos edificios sonoros y en reconstruir su espectacular país y que los ánimos se serenen de la misma forma que en la Danza del trigo, evocadora del esplendor de la hierba y de los campos de grano mecidos con delicadeza por la brisa del día (minuto 3’22’’).

https://www.youtube.com/watch?v=EhACD-PwNv4&t=1s

 

 

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Más información del concierto en:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-10-2/

 

Sugerente e intenso programa para tonificarnos en esta época del año, cuando el pulso amortiguado del invierno espera aletargado la llegada de la primavera y su latido renovador de los colores del paisaje. América también despertó, reavivando el colorido de la orquesta. Disfruten del panorama sonoro.

 

 

 

 

 

 

 

The Inner Child. Concierto a la carta con Antonio Oyarzabal

 

 

Como broche especial al ciclo La música desde dentro, el próximo miércoles 30 de enero disfrutaremos de un genuino “concierto a la carta”.

La cita será con el pianista bilbaino Antonio Oyarzabal, quien compartirá con el público el repertorio recogido en su primer trabajo discográfico: The Inner Child. En él, Antonio nos ofrece un repertorio evocador del universo de la infancia que reúne la creatividad, la sensibilidad y el buen gusto de Robert Schumann, Claude Debussy, Maurice Ravel y Federico Mompou. El disco ha sido grabado en Londres bajo el sello Orpheus.

 

The Inner Child

The inner child. El niño interior habla desde el piano

 

 

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Antonio es un pianista de gusto exquisito y gran talento, que se esmera en los detalles cuando prepara un programa. Afincado en Londres desde hace 7 años, recientemente ha tocado allí con orquesta el Concierto de Ravel y en abril estará en Holanda haciendo música de cámara con la violoncellista Emma Besselaar.

 

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Antonio Oyarzabal (Bilbao, 1989)

 

 

En este enlace puede hacerse una “cata” de la musicalidad de este pianista, que nos prepara para el festín del día 30:

 

https://itunes.apple.com/es/album/the-inner-child/id1243661904

 

 

Y quien quiera conocerle mejor, puede asomarse a su página web:

 

http://www.antonioyarzabal.com/

 

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Sin duda, el particular atractivo de este concierto es que se hará al gusto del público, que estará invitado a conversar con Antonio y a participar en la selección de la música que interpretará: quien así lo desee, podrá elegir aquellas piezas que, por su título, les resulten más sugerentes o evocadoras de su propia infancia. Es innegable: tenemos recuerdos y referencias porque todos estuvimos allí…

La cita será en el Auditorio de la Escuela de Música Andrés Isasi en su sede de la Calle de las Mercedes nº 6, en Las Arenas-Getxo y dará comienzo a las 18:30 hs.

Tendré el enorme placer de presentar el acto porque, habiendo escuchado el disco con atención y deleite, puedo asegurarles que la calidad del sonido, el manejo del tempo, la claridad en la presentación del discurso musical (lo que nos cuentan los compositores) y la feliz reunión de las musas, suponen un regalo para nuestros oídos.

Las entradas están ya a la venta en la propia Escuela de Música a un precio de 5 euros para el público general y 3 euros para los estudiantes de la Escuela.

 

Más información en el teléfono 944646011 y en este enlace:

http://getxo.eus/es/servicios/comunicacion/notas-prensa/1554

 

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Disfruten del cálido confort con que la música suaviza al invierno.

 

 

El universo de la música en el lenguaje cinematográfico: de la confección a medida al prêt-à-porter

 

 

A partir del próximo martes 19 de febrero, en el marco del programa Ocio Cultural Universitario de la Universidad de Deusto  y a lo largo de diez semanas, tendré el placer de compartir escucha con quien quiera disfrutar de un repertorio musical que lleva coloreando las pantallas de cine desde hace casi cien años y que, con gran atractivo para cineastas y público, ha resultado ser viajero infatigable. De ida y vuelta.

 

 

la música en el cine (1)

 

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Además, el Instituto de Estudios de Ocio ofrece otros cursos interesantes relacionados con el arte y la historia. Estos son sus títulos y sus ponentes:

 

  • Nueve lugares emblemáticos de la Antigüedad en Oriente, con José Antonio Fernández Lombera.
  • Arte y Género, con Arantxa Pereda.
  • Algunas novelistas inglesas: To walk invisible, con Isabel Parrondo.
  • Vivir experiencias estéticas. Primer acercamiento al disfrute de las artes, con Mª Luisa Amigo e Iñaki Moreno.
  • El teatro Unamuniano. Desnudez y hondura. La imposible chocolatina, con Juan Luis de la Cruz.
  • El cine según Hitchcock, con Soledad Pérez.
  • La globalización: historia, características y problemas, con José Angel Lecanda.

 

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Todos los cursos tienen una duración de 15 horas lectivas, comienzan el 18 de febrero y cuentan con la colaboración de “La Caixa”. Ayer, lunes 21 de enero, comenzó el periodo de inscripción.

Toda la información en el teléfono 94 4139075 y en este enlace:

https://bit.ly/2KTz4Cx

 

Para disfrutar aprendiendo y aprender disfrutando.

 

 

 

El teatro musical de Pablo Sorozábal. Conferencia ilustrada

 

 

El próximo miércoles 16 de enero, en la Escuela de Música Andrés Isasi de Getxo, reanudaremos el ciclo La música desde dentro, con el que invitamos a quienes lo deseen a adentrarse en los vericuetos del extraordinario mundo de la música.

 

Cartel

 

 

Lo haremos con la tercera “conferencia ilustrada” que, en esta ocasión, estará centrada en la figura de Pablo Sorozábal, compositor valorado por los intérpretes y disfrutado por el público, pero no tan conocido como merece la dimensión de su talento.

Para paliar este desconocimiento, el investigador Mario Lerena ha recogido en el libro El teatro musical de Pablo Sorozábal (1897-1988). Música, contexto y significado, una profunda semblanza de la vida y circunstancias contextuales del compositor donostiarra, que resulta interesante y atractiva en su lectura para cualquier melómano.

Pero, además, el rigor que caracteriza a Lerena hace recomendable este libro para quien quiera profundizar en el teatro musical de Sorozábal desde ángulos diferentes: biográfico, estético, estilístico… La investigación en que está basado el libro mereció el premio Orfeón Donostiarra-UPV/EHU de 2016 y un premio extraordinario de doctorado.

 

el teatro musical de pablo sorozábal-mlerena

Portada del libro, editado por la Universidad del País Vasco

 

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El compositor, violinista y director donostiarra Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y aficionados como uno de los músicos teatrales más brillantes y carismáticos de su generación. Fue, además, autor de un interesante repertorio sinfónico, camerístico y coral. Con su ideal de “música humana” conectó con audiencias de gustos variados.

 

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Pablo Sorozábal Mariezcurrena (Donostia-San Sebastián, 1897 – Madrid, 1988)

 

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Mario Lerena es Profesor superior de piano y música de cámara, Licenciado en Historia y Ciencias de la Música y Doctor cum laude por la Universidad del País Vasco. Desarrolla su labor como docente, intérprete e investigador centrándose en estudios de música vasca, teatro lírico y Semiótica musical, principalmente. La suya, es la primera monografía musicológica sobre el legado de Sorozábal y un extraordinario complemento a la autobiografía que el compositor redactó unos años antes de fallecer.

 

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Mario Lerena (Getxo, 1981)

 

 

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Con la presentación de este libro, bien sazonada con la música del compositor, podremos conocer más su figura, repasar su trayectoria artística y disfrutar de varias de sus partituras rindiéndole, con todo ello, merecido tributo.

Este encuentro con la música tendrá lugar pasado mañana, en la preciosa Fonoteca de la Escuela de Música Andrés Isasi, en su sede de la Calle de las Mercedes nº 6, en Las Arenas-Getxo, a las 18:30 hs, en una velada que promete.

Las entradas están ya a la venta en la propia Escuela de Música a un precio de 3 euros.

 

Más información en el teléfono 944646011 y en estos enlaces:

http://www.getxo.eus/es/servicios/detalle-evento/6457

http://getxo.eus/es/servicios/comunicacion/notas-prensa/1554

 

Para seguir disfrutando de la música, también desde dentro.

 

 

 

Santa Cecilia nos conserve el oido

 

¡Qué viva Santa Cecilia!

 

Con esta exclamación, músicos y melómanos de todo el mundo celebramos hoy, 22 de noviembre, la onomástica de nuestra patrona.

Cecilia, noble romana del siglo III d.C., fue venerada como mártir desde el siglo V y honrada como santa patrona de la música a partir del siglo XV.

El primer festival conocido en su honor fue en Normandía en 1570 y parte de la celebración tomó la forma de concurso de composición. Uno de los ganadores fue Orlando de Lasso con su motete Cantantibus organis.

Desde el siglo XVI muchas sociedades musicales adoptaron el nombre de Santa Cecilia y en lo que se refiere a su representación iconográfica, a partir del siglo XIV se le asocia un órgano portátil.

Hace ahora cinco siglos, Rafael pintó el éxtasis de Santa Cecilia, abandonada a la contemplación del coro de ángeles que entonan en el cielo la armonía de las esferas celestiales. A sus pies, varios instrumentos rotos o deteriorados, no tienen ningún valor en comparación con la música celestial.

 

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El éxtasis de Santa Cecilia, 1516. Rafael (Pinacoteca Nazionale, Bolonia)

 

 

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El compositor inglés Benjamin Britten, pacifista declarado y hombre sencillo, nació un 22 de noviembre -lo que, sin duda, sería motivo de alegría y orgullo para sus madre, talentosa pianista aficionada- en la costera y pequeña Lowestoft, en el condado de Suffolk.

 

 


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Benjamin Britten (Lowestoft, 1913 – Aldeburgh, 1976)

 

 

 

Britten sabía encontrar lo extraordinario que habita en lo que es aparentemente sencillo y por ello declaraba:

 

“Suffolk, con sus quebradas e íntimas campiñas; sus iglesias celestialmente góticas, grandes y pequeñas; sus pantanos, con esos salvajes pájaros marinos; sus grandes puertos y pequeñas aldeas pesqueras. Estoy firmemente enraizado en esta gloriosa tierra. Me di cuenta de ello en una ocasión en que intenté vivir en otra parte”

 

Britten quiso manifestar este placer que emana del contacto con las cosas sencillas en el 2º movimiento de su Sinfonía Simple , al que llamó Playful pizzicato. En este enlace podemos escuchar y ver a una orquesta de cámara de estudiantes (una pena no tener más referencias), concentrada en arrancar a las cuerdas de sus instrumentos esos sonidos naturales y de cierto aroma rústico, en un encantador “juego de pellizcos”:

https://www.youtube.com/watch?v=ZBXz3ar9lZs

 

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Disfruten siempre de la música y que Santa Cecilia nos conserve el oído en un mundo cada vez más ruidoso.

 

 

 

Move Your Fingers on the piano: un método y un libro “de casa”. Presentación con música

 

 

El próximo miércoles 14 de noviembre tendrá lugar la segunda conferencia ilustrada del ciclo La música desde dentro, con el que queremos invitar a quienes lo deseen a adentrarse en los vericuetos del extraordinario mundo de la música.

En esta ocasión presentaremos Move Your Fingers on the piano.

 

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Su creador, Andoni Elías, lo describe como “un método y un libro de casa” porque, tanto en la concepción de la idea como en el diseño mismo, tuvo la intención de crear un material para enseñar música que contuviese música (suena paradójico pero muchas veces los métodos pianísticos se reducen a tediosos ejercicios, poco musicales). Por ello, y partiendo de la idea de que quien quiere aprender a tocar un instrumento lo hace porque le gusta escuchar música, elaboró una serie de piezas bien secuenciadas que, desde el primer momento, permitieran al estudiante construir una atmósfera musical con su interpretación.

Además, la ordenación de las piezas en este método hace posible la reunión de aficionados de distintos niveles, pudiendo convertir la interpretación pianística en algo festivo y familiar -tal como sucede en otras tradiciones- y hacerlo por placer o diversión y siempre para disfrutar de la música, tanto con piezas escritas en estilo actual, como con otras de aire más clásico.

 

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Andoni Elías tiene una larga trayectoria en la didáctica del piano partiendo del método inglés de aprendizaje, ya que ha trabajado para el Trinity College y para el Associated Board of the Royal Schools of Music.

 

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Andoni Elías (Bilbao, 1958)

 

Elías opina que “el piano puede ser un instrumento solista, pero no tiene porqué ser solitario”.

 

Quien quiera conocer mejor este método que permite la reunión musicalmente gozosa entre familiares o con amigos, puede asomarse a esta manera de concebir la didáctica del piano en su web:

http://www.moveyourfingers.com

 

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Este encuentro con la música tendrá lugar también en la preciosa Fonoteca de la Escuela de Música Andrés Isasi, en su sede de la Calle de las Mercedes nº 6, en Las Arenas-Getxo, a las 11:30 hs, en una matiné ilustrada con los colores del piano.

Las entradas están ya a la venta en la propia Escuela de Música a un precio de 3 euros.

Más información en el teléfono 944646011 y en este enlace:  http://www.getxo.eus/es/musika-eskola

Para disfrutar, tocando y escuchando.