La música de cerca. Ciclo de conferencias BOS-Museo de Bellas Artes 2018-2019

 

 

El próximo lunes 29 de octubre comenzaremos con ilusión renovada la segunda década del ciclo de conferencias La música de cerca que, fruto de una colaboración entre la Orquesta Sinfónica y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, se celebran en el Auditorio del museo.

 

 

LA MUSICA EN MUSEO_4_3

 

 

 

En esta edición el ciclo lleva por título La orquesta como narradora extraordinaria y es que, a lo largo de la historia, el lenguaje musical y el literario han jugado varias veces a hacerse guiños y en muchas ocasiones su sugerente trenzado narrativo ha dados frutos deliciosos.

Por ello, a lo largo de seis semanas, asistiremos al relato de varias obras de la literatura en su reinterpretación musical y los géneros literarios -cuentos, novelas, teatro o poesía- se transformarán en géneros musicales –ballet, ópera, sinfonías, poemas sinfónicos…- y, entre muchas otras historias, escucharemos los desdichados amores de Romeo y Julieta o los más pastoriles de Daphnis y Chloe, las narraciones de la sultana Scheherezade a lo largo de mil y una noches, los escarceos amorosos de Don Juan, las aventuras de Don Quijote, los apuros de un corregidor ante una molinera o, si lo desean, volveremos a la infancia para soñar de nuevo con los cuentos de Perrault o de Hoffmann.

Y pondremos en valor a la orquesta, como narradora extraordinaria, utilizando su riqueza tímbrica, sus efectos sonoros, su ductilidad, el poderío de su grandeza y su finura en los detalles, para enlazar a Cervantes con Falla, a Goethe con Beethoven o a Shakespeare con Prokofiev.

 

Más información en este enlace:

La música de cerca 2018

 

 

OFM

 

 

En esta ocasión tan musical y literaria, queremos dedicar este hermoso y antiguo poema a Montserrat Caballé, con melómano agradecimiento:

 

Los músicos ya se han ido.

Los tulipanes que dejaron en los jarrones de jade se inclinan sobre los laúdes,

como queriendo escuchar aún.

 

Liang-Hung, poeta chino, siglo I

 

 

 

 

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De colores y de luz. Concierto de la BOS

 

 

Difícilmente explicable, aunque real, es la capacidad que tiene la música de provocar en nosotros imágenes de índole visual; tal vez por esto, los comentarios en torno a ella están plagados de referencias de esta clase. Desde luego, y para disfrute de la audiencia, el programa que esta semana propone la Orquesta Sinfónica de Bilbao rebosa evocaciones al color y a la luz. Actuará como organista solista Aaron Rivas y al piano, Andrew von Oeyen. El conjunto estará dirigido por Erik Nielsen y el jueves día 11, a las 18:00 hs y en la sala B Terraza del palacio Euskalduna, tendré el gusto de presentar este colorido y luminoso programa, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

OFM

 

Para comenzar, y en un progresivo alumbramiento, el magnífico órgano sinfónico del Palacio Euskalduna sembrará de colores la obra A Globe Itself Infolding de Samy Moussa.

 

Samy Moussa

Samy Moussa (Montreal, 1984)

 

 

El autor de la composición admite que escribir una pieza corta para órgano y orquesta constituye un verdadero desafío y para resolverlo se sumerge en la paradoja apuntada ya en el título -un abrazo imposible del mundo a sí mismo-, inspirado tanto en el pensamiento creativo de William Blake como en el Tanakh. La intención es doble y atrayente en su contradictoria ambigüedad: por un lado, Moussa pretende que un instrumento grandioso como el órgano ponga en marcha toda la pulsión que la obra contiene y, al mismo tiempo, quiere que si intentamos analizar su paleta de colores nos enfrentemos a una duda: ¿está el sonido del órgano entreverado indisociablemente con los timbres de la orquesta o es la orquesta la que, envolviéndolo -rodeándolo en un abrazo-, colorea la voz del órgano?

 

 

En el enlace de abajo podemos escuchar la obra en la interpretación de la Orquesta Sinfónica de Montreal y el organista Jean-Willy Kunz, dirigidos por Kent Nagano. Ellos son quienes la estrenaron el 27 de mayo de 2014 en la Maison symphonique de Montreal. La BOS será la encargada del estreno en España.

 

https://www.youtube.com/watch?v=g16cVwB1Cqg

 

OFM

 

Otro estreno, el del Concierto para piano nº 3 en do menor Op 37 de Beethoven, mantuvo la tensión hasta el último momento de aquel 5 de abril de 1803 en el Theater an der Wien. La causa de la agitación de ese día no fue la comprensible y admitida de una première, sino el hecho de que la partitura estaba incompleta (travesuras de genios). Sin embargo, esto no supuso inconveniente alguno para Beethoven -a la sazón, solista en el estreno- ya que, según testimonio de los presentes, aún sin haber volcado el total de las notas sobre el papel, las proyectaba directamente de su cabeza a sus manos (y tanto que genio).

 

Beethoven

Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770-Viena, 1827)

 

 

Elaborado a fuego lento, la composición del concierto se extendió entre 1800 y 1802, paralelamente a la creación de la Segunda Sinfonía, lo que propició algún comentario característico de la época romántica que señalaba al concierto como el “hermano oscuro” de una “sinfonía clara” y a ambos como la “metáfora artística de doble rostro” de un periodo sombrío en la vida de Beethoven, cuando su mala salud deterioraba su oído como un “demonio envidioso” y le provocaba frecuentes trastornos digestivos. Lo cierto es que, al margen de los comentarios de carácter visual acerca de la dualidad lumínica en la música beethoveniana, este concierto es la única composición orquestal con solista que Beethoven escribió en tonalidad menor, lo cual, sumado a su intención dramática, da testimonio del nuevo camino que estaba explorando el músico por aquellos años, aventura sin precedentes que abrió las compuertas a la torrencial corriente romántica.

Pero Beethoven, además de un referente primordial para tantos compositores, fue un hombre cuya actitud vital puede ser ejemplo para muchas personas ya que, incluso en los momentos de crisis aguda en que la enfermedad se cebaba con él y su inamovible estatus social -impermeable al éxito artístico- le alejaba de la fortuna amorosa, manifestaba pensamientos como este:

 

“¡Qué delicioso sería vivir mil vidas!”

 

En esta versión de Glenn Gould -canadiense como Moussa- y la Orquesta Sinfónica de Columbia, dirigidos todos por Leonard Bernstein, escuchamos el excepcional Largo, punto exacto donde el milagro de la música se transforma en luz diáfana y el refinamiento en la escritura y la inspiración alcanzan una verdadera cumbre musical:

 

 

 

OFM

 

A decir de sus biógrafos, una de las mayores fuentes de bienestar y satisfacción para Beethoven era el contacto con la Naturaleza y ese placer que él sentía cuando se sumergía en ella es el que produce su idílica Sexta Sinfonía en Fa Mayor Op 68, conocida como Pastoral.

 

 

Beethoven en el campo

 

 

Ya en el siglo XIX el polifacético Hoffmann se preguntaba: “Esta sinfonía contiene un cuadro de vida campestre. ¿Un cuadro? ¿Pero es posible pintar la música?”. La respuesta la da Berlioz, rendido seguidor de Beethoven, afirmando que la obra es “un admirable paisaje que parece haber sido compuesto por Poussin y dibujado por Miguel Ángel”. Beethoven, por su parte, dejó claro que su intención era

“expresar más emoción que descripción y más evocación de sentimientos que pintura”

 

En opinión de Beethoven

“Se puede con razón llamar a la Naturaleza ‘escuela del corazón’. Ella es, en efecto, quien nos enseña con evidencia los deberes del hombre para con Dios y el prójimo”.

 

Puede que, para escribir Escena junto al arroyo, Beethoven hiciera algo de lo que no dudaba Berlioz: “tumbarse sobre el verde césped, mirando al cielo, escuchando el viento, fascinado por los mil reflejos de la luz en las ondas del arroyo al romperse contra los guijarros de la orilla”, porque la utilización recurrente de una idea sencilla, el refinamiento de la cuerda y el sabor agreste y sutil de las maderas convierten el aroma de la hierba sobre la que se tumbó Beethoven en una imagen sonora de idílica placidez.

Esta es la versión que Christian Thielemann, al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena, hace de esta escena (minuto 14):

 

 

 

OFM

 

Más información sobre el concierto en este enlace:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-02/

 

 

Sin duda será este un concierto rebosante de luz sonora. Un auténtico regalo para los oídos y para el alma. Disfrútenlo.

 

 

Leonard Bernstein. Para todos los públicos

 

Hoy se cumplen cien años del nacimiento de Leonard Bernstein, músico de perfil poliédrico: pianista, compositor, director de orquesta, divulgador preparadísimo y apasionado del lenguaje de la música y… escuchante atento y felizmente voraz.

 

 

LB

Lawrence, Massachusetts, 25 de agosto de 1918 – Nueva York, 14 de octubre de 1990

 

 

Bernstein representa bien el impulso y la natural frescura de una nación musicalmente joven, cuyo latido puso en circulación un lenguaje renovado y desenfadado que permitía nuevas maneras de acercar los oídos al espectáculo sinfónico.

Quizá uno de sus desempeños profesionales más destacados fue el de titular de la flamante Orquesta Filarmónica de Nueva York entre 1958 y 1969. Además de su juventud para acceder a este cargo, cabe destacar que fue el primer director nativo norteamericano que ocupó el puesto.

 

OFM

 

Pero, ya que este cuaderno virtual poco puede añadir al incesante borboteo de escritos, imágenes, espectáculos y documentos audiovisuales de todo tipo que llevan varios meses recordando la figura de Bernstein, solo haremos breve memoria de su extraordinario afán por hacer que la música llegase a toda persona interesada en deleitarse en la escucha y a su innovadora concepción didáctica que, ligados a su gran capacidad de comunicación, lograron que a partir de 1958 los Young People’s Concerts de la Orquesta Filarmónica de Nueva York se convirtieran en un producto didáctico referente para infinidad de orquestas americanas y europeas.

El relato es este: su lucidez y su iniciativa llevaron a Leonard Bernstein a utilizar la televisión -recién aparecida a mediados del siglo XX- como eficacísimo medio de difusión masiva y comenzó a principios de los años cincuenta con Omnibus, un programa de apreciación musical para adultos. En 1957 convenció a la cadena CBS para que emitiera los Conciertos para jóvenes que llevaba a cabo con la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Debido a su éxito, dichas emisiones acabaron ocupando la franja horaria considerada primetime.

 

YPC

 

 

¿Se imaginan?: la Filarmónica de Nueva York, el Carnegie Hall, tus amigos y tu familia y ahí, en el centro del escenario, un tipo con ganas de que aprendas y con una vitalidad desbordante. ¡Qué placer para los niños y jóvenes escuchar música! Podemos asomarnos y ver cómo disfrutan:

https://www.youtube.com/watch?v=rxwWlQNGeKE

 

OFM

 

Algunas de las conferencias se editaron en forma de libro, que ha sido traducido a varios idiomas y cuenta con múltiples reediciones (en castellano, El maestro invita a un concierto ha sido editado con el gusto que caracteriza a Siruela) y aunque hay infinidad de fotografías que muestran a Bernstein en acción, a mi me gusta especialmente ésta:

 

YPC niña

 

¿Acabaría esta niña componiendo o interpretando? No podemos saberlo, pero es probable que dejando que se acercara al escenario consiguiesen que sintiera la música siempre cercana (confieso que me habría encantado estar en el lugar de esa niña).

 

OFM

 

Leonard Bernstein es una de las referencias fundamentales de la Didáctica del Ocio Formativo Musical (OFM), por su relevancia en el panorama de la música clásica a nivel internacional y por su talento de comunicador, que supo poner al servicio de la divulgación de la música. Ya antes de él, y con la intención de “democratizar” la cultura musical, algunos músicos norteamericanos de reconocido prestigio -entre los que destaca el nombre de Aaron Copland- empezaron a realizar una serie de actividades encaminadas a acercar la música clásica a un público amplio con la finalidad de darla a conocer más y mejor -además de aumentar la recaudación en taquilla, objetivo sin duda legítimo para una orquesta. Pero Bernstein fue el mejor.

Él afirmaba que no es fácil encontrar la justa medida entre quienes presentan la música a los oyentes profanos, simplificándola demasiado, rodeándola de datos irrelevantes y convirtiéndola en un vano y superficial entretenimiento y quienes utilizan el análisis exhaustivo de cada pieza musical de manera tan detallada que parece dirigirse tan solo a oyentes alfabetizados musicalmente y, por ello, sus principios metodológicos se basaban en el convencimiento de que:

“el público no es una gran bestia, sino un organismo inteligente, que la mayor parte de las veces ansía la comprensión y el conocimiento”.

 

A través de su actividad didáctica, encontró las estrategias para convertirse en el feliz punto medio entre lo que él mismo denominaba el “timo de la apreciación musical y el debate puramente técnico”. A este feliz punto medio Bernstein lo llamó literalmente happy médium. Con esta apropiada etiqueta se anticipó a la idea didáctica del “mediador” frente al profesor tradicional.

Sus principios metodológicos, nutrieron toda una posterior serie de estrategias didácticas muy relevantes en el marco del OFM. Dichos principios estaban presentes en sus conferencias, clases y escritos y seguían esta premisa:

“siempre que es posible, trato de hablar acerca de la música – las notas de la música- y cuando los conceptos extra-musicales son necesarios con intención de referenciar o aclarar algo, trato de elegir los conceptos que son musicalmente relevantes”.

 

OFM

 

En el siguiente enlace podemos disfrutar de una hermosísima canción, Somewhere, de su West Side Story de 1957 cuya letra, por desgracia para todos, sigue siendo lamentablemente sugerente:

 

Hay un lugar para nosotros.

En alguna parte, un lugar para nosotros.

La paz y la tranquilidad y el aire libre

nos esperan

en alguna parte…

 

La interpretación es de otra música genial, Aretha Franklin, fallecida hace solo unos días:

https://www.youtube.com/watch?v=pMgkFU3Y3lY

 

OFM

 

Muchísima información sobre Leonard Bernstein en su página web oficial:

https://leonardbernstein.com/

 

Mi debido agradecimiento -y no por debido menos sincero- a Leonard Bernstein, como melómana y como didacta. Gracias, maestro, por favorecer el disfrute.

 

 

 

La música de cerca. Una década enlazando música y artes plásticas en el contexto del ocio humanista

 

 

Mañana miércoles, 13 de junio, dará comienzo el Foro Internacional de Investigación OcioGune 2018.

 

ociogune 2018

 

 

OcioGune viene siendo, desde el año 2006, un espacio de intercambio de conocimiento, pensamiento y reflexión sobre la observación de la realidad social, las transformaciones en curso y las tendencias futuras del ocio humanista. El foro está dirigido a personas expertas, académicas, investigadoras y profesionales interesadas en la promoción de la investigación y el conocimiento en torno al fenómeno del ocio y los ámbitos en los que se manifiesta.

 

Este año la cita es doblemente importante ya que se enmarca en el XXX aniversario del Instituto de Estudios de Ocio de la Universidad de Deusto.

 

 

OCIO 10 Y 20

 

 

 

Mi aportación al Foro consistirá en la presentación de La música de cerca, un ciclo de conferencias que -en base a un convenio de colaboración entre la Orquesta Sinfónica y el Museo de Bellas Artes de Bilbao- se puso en marcha en 2008 con el principal objetivo de brindar a los asistentes unas claves estéticas con las que comprender mejor el discurso musical y, en consecuencia, disfrutarlo más. Su principal rasgo distintivo -emanado del particular enlace entre estas dos instituciones culturales de larga y apreciada trayectoria en la ciudad de Bilbao- consiste en que la temática de cada ciclo y los contenidos propios de cada conferencia se articulan en torno a unas audiciones enlazadas con piezas pictóricas y escultóricas de los fondos del museo, que son contextualizadas y proyectadas durante las conferencias.

 

 

LA MUSICA DE CERCA BOS BBAA

 

 

 

 

Desde aquel 2008, y en esta década de programación ininterrumpida, se ha consolidado un ciclo favorecedor de experiencias de ocio vertebradas por la escucha musical y vinculadas a la oferta artística y patrimonial del museo. Este programa ha sido diseñado en base a las estrategias didácticas propias del Ocio Formativo Musical (OFM), constructo de triple perfil -humanista, educativo y cultural- que explica y posibilita la vivencia de un ocio valioso en torno a la escucha de la música clásica a través de la formación, al aportar al oyente una serie de puntos de referencia que lo transforman en escuchante, estimulando su disfrute y potenciando su desarrollo personal en su doble vertiente: individual y comunitaria. Acerca del OFM hemos escrito en este cuaderno virtual en alguna ocasión:

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2015/10/12/ocio-formativo-musical/

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2017/10/25/el-ofm-premiado-en-los-programas-universitarios-para-mayores/

 

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2018/05/10/el-ocio-formativo-musical-sigue-ganando-adeptos-en-la-universidad/

 

OFM

 

 

En el caso de La música de cerca, cada uno de los diez ciclos ha tenido lugar en el auditorio del museo y se ha articulado en seis conferencias, con un hilo conductor de temática distinta en cada ciclo y recogida en sus títulos, algunos de los cuales han sido: Los colores de la música; Miradas sonoras; La música en relación; La música en imágenes. Los sonidos del Museo; La música en el siglo XX. Diversidad y color. A lo largo de estos diez años, doscientas personas han disfrutado de la música y de los fondos patrimoniales del museo en cada uno de los ciclos de conferencias. La voluntad de ambas instituciones es mantener la colaboración en esta propuesta de ocio formativo cultural.

 

 

 

Quien quiera saber más acerca de OcioGune 2018, puede asomarse a este enlace:

https://socialesyhumanas.deusto.es/cs/Satellite/socialesyhumanas/es/ociogune

 

 

Disfruten de una larga y bien sonante vida de ocio.

 

 

 

El concierto barroco en versión BOS. Belleza e innovación

 

 

Dos términos principales pueden representar lo que el periodo barroco significó en el lenguaje de la música: expresionismo e innovación.

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao dirigida por Enrico Onofri -quien también interpretará al violín-, mostrará a nuestros oídos un repertorio íntegramente barroco. El jueves día 17, a las 18:00 y en la Sala B1 del palacio Euskalduna, tendré el gusto de presentar el programa que nos ofrecerá la orquesta, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

OFM

 

La visión pesimista del mundo -derivada de las crisis espirituales y económicas del siglo XVII- llevó al artista barroco a deformarlo en su representación, mediante la exageración expresiva, la búsqueda del contraste y el recargamiento artificioso. La teoría de los affetti o afectos humanos sostenía que “la Música puede transmitir sentimientos y afectar al alma del oyente” y la vía más efectiva para lograr estos objetivos fue la utilización del contraste y el expresionismo. Pero, además, en el Barroco la composición utilizó técnicas innovadoras y la audacia en la escritura llegó tan lejos que dio a luz dos géneros musicales que, desde entonces, no han dejado de interesar ni a los compositores ni al público. Esos géneros fueron la ópera y el concierto y ambos nacieron en Italia.

El concierto, como género instrumental absoluto, en el que el pensamiento del compositor se organiza en base a colores tímbricos, tensiones armónicas, efectos de claroscuro derivados de los contrastes de intensidades, de alturas, de velocidades, de texturas y de masas sonoras de acuerdo a la alternancia de concertino y ripieno, fue un logro extraordinario en la evolución del lenguaje compositivo. El origen etimológico de la palabra nos recuerda que concertar-que significa “acordar”, “pactar”, “componer o poner de acuerdo”-, deriva del latín concertare –“debatir”, discutir” y, antes, “combatir”, “pelear”- y nos lleva a la conclusión de que no podría haberse encontrado un término mejor para este género, el concierto, en el que uno o varios instrumentos combaten en armonía frente a un grupo más grande, en busca de la expresión y la belleza.

 

OFM

 

La figura de Corelli planeará sobre el programa, ya que su influencia fue notable en otros compositores barrocos. Su Concerto grosso en Re Mayor Op. 6 nº 1, pondrá punto final a la tarde de música.

 

 

Corelli

Arcángelo Corelli (Fusignano, 1653 – Roma, 1713)

 

OFM

 

Y algunas de las aportaciones  del maestro Corelli serán escuchadas a través de las composiciones de Geminiani, de quien se han programado los nº 3 y 5 de sus Concerti Grossi Op. 5.

 

Geminiani.jpg

Francesco Geminiani (Lucca, 1687 – Dublín, 1762)

 

OFM

 

También estará presente el exquisito y cosmopolita Muffat con su Sonata nº 5 en Sol Mayor, de Armonico Tributo.

 

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Georg Muffat (Megève, Saboya, 1653 – Passau, Bavaria, 1704)

 

OFM

 

Disfrutaremos, sin duda, del talento célebre y siempre asombroso de Vivaldi, con su Concierto en sol menor Op. 3 nº 2, de L’estro armonico (La inspiración armónica).

 

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Antonio Vivaldi (Venecia, 1678 – Viena, 1741)

 

OFM

 

Y tendremos la oportunidad de escuchar -y tal vez descubrir- el Concierto en Re Mayor Op 2 nº 7 de Mossi, un compositor menos programado.

 

Mossi.jpg

 

Giovanni Mossi (Roma, c. 1680 –Roma, 1742)

 

OFM

 

En este enlace podemos escuchar el Concerto grosso en Re Mayor Op. 6 nº 1 de Corelli, en cierta manera, alma generadora de la magia de este programa. La versión es de The English Concert, bajo la dirección de Trevor Pinnock:

 

 

 

 

Más información sobre el concierto en este enlace:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-16-2017/

 

OFM

 

Será un placer esta semana disfrutar de un repertorio cuyas características estéticas vienen marcadas por la intensidad dramática y la expresión de los afectos humanos. La búsqueda de ambas llevó a los compositores del Barroco a experimentar e innovar con las texturas, las armonías, la organización formal y los colores y efectos tímbricos sin perder, ni por un instante, la pista de la Belleza. Disfruten.

 

 

 

El Ocio Formativo Musical sigue ganando adeptos en la universidad

 

 

 

El pasado jueves 26 de abril tuve el gusto de presentar en Palma de Mallorca, en la sede de Sa Riera de la Universitat de les Illes Balears y dentro del marco del IX Seminario de la Asociación Estatal de Programas Universitarios para Personas Mayores-AEPUM, el trabajo que hace unos meses fue premiado por esta asociación y que ya fue comentado en este cuaderno virtual el pasado octubre:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2017/10/25/el-ofm-premiado-en-los-programas-universitarios-para-mayores/

 

 

OFM

 

 

Desde aquí quiero agradecer el interés con que fue escuchada la ponencia en la sesión de Palma: el profesorado y los representantes institucionales llegados de todas las universidades de dicha asociación, quisieron saber más y sus preguntas y comentarios fueron indicadores de que el OFM tendrá cada vez más presencia en los programas universitarios para personas mayores y, de esta manera, contribuirá a que la apreciación musical y su didáctica lleguen a un número mayor de melómanos y de quienes quieran llegar a serlo.

 

Mercedes Albaina_Premio AEPUM 2017_0

https://www.aepumayores.org/es/contenido/ix-seminario-aepum-diversidad-generacional-en-los-programas-universitarios-para-personas-m

 

 

 

Me pareció apropiado que el punto final a mi intervención lo pusiera la música de Chopin quien, en el invierno de 1838-39, compuso varios de sus Preludios para piano en Valldemosa, a tan solo unos kilómetros de la UIB, donde hoy día se ponen en marcha los Programas Universitarios para Personas Mayores.

Elegí para ello el brevísimo Preludio nº 1 en Do Mayor, micromundo sonoro que se puede escuchar aquí en la versión de Artur Rubinstein, un pianista que vivió plenamente y que siguió disfrutando y haciendo disfrutar de su talento incluso cuando era ya una “persona mayor”:

https://www.youtube.com/watch?v=3EewC9_i2yQ

 

Un buen ejemplo para todos. Disfruten siempre.

 

 

 

 

La música y la palabra en Wagner y Mahler. Concierto de la BOS

 

 

Esta semana, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, tejerá un tapiz sonoro sobre el que el barítono Johannes Martin Kränzle pueda dibujar las melodías de Mahler y Wagner. El conjunto estará dirigido por el titular de la BOS, Erik Nielsen.

El viernes día 4, entre las 18:00 y las 19:00 hs y en la sala B Terraza del Palacio Euskalduna, comentaremos las obras del programa, en una charla a la que se accede de manera gratuita con la entrada al concierto.

 

OFM

 

El concierto dará comienzo de manera muy apropiada con una Obertura: la de Los maestros cantores de Nüremberg de Richard Wagner, que podemos escuchar en este enlace, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Christian Thielemann:

 

 

 

Tras ello, Johannes Martin Kränzle y la BOS nos ofrecerán una selección de algunas de las canciones del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler.  

Aquí podemos escuchar a Johannes Martin Kränzle cantando la canción de San Antonio de Padua predicando a los peces, en versión de voz y piano:

 

http://www.johannesmartinkraenzle.de/media/audiofiles/mahler_fischpredigt.mp3

 

Antonio va a la iglesia

y la encuentra vacía para el sermón.

Entonces, se dirige al río

a predicar a los peces…

 

 

El concierto finalizará con una selección del Acto III de Parsifal de Wagner, que se puede escuchar completo en el siguiente enlace. La versión es de Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Staatskapelle de Berlín y los subtítulos están en español:

https://www.youtube.com/watch?v=jFDrLhFDplA

 

 

OFM

 

En este cuaderno virtual hemos hecho referencia a Wagner en más de una ocasión. Una de ellas, con motivo del bicentenario de su nacimiento:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/01/02/verdi-y-wagner/

 

 

A Mahler, le dedicamos una entrada hace unos años:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2014/07/07/gustav-mahler/

 

OFM

 

Se puede encontrar más información sobre el concierto de esta semana en:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-15-2017/

 

 

Un programa de aroma alemán, en el que la música y la palabra tejen un discurso para disfrutar.

 

 

 

 

José Antonio Abreu

 

Ha fallecido José Antonio Abreu, quien tuvo el mérito de acercar la música a los niños y jóvenes venezolanos y, más aún, fue el principal ideólogo y promotor de una proeza:  sumergir a niños y jóvenes venezolanos en la música, de tal manera que quedasen enredados en ella.

 

JA Abreu

 

José Antonio Abreu (Valera-Venezuela, 1939 – Caracas, Venezuela, 2018)

 

OFM

 

Fue economista, educador, compositor, inquieto y generoso y recibió numerosos premios y reconocimientos de diversas universidades de todo el mundo. Todo ello por idear y poner en marcha El sistema que, entre otros preciosos frutos, ha colocado en el mundo de la música al brillante y enérgico Gustavo Dudamel.

Desde 1975 son ya tres generaciones de intérpretes y estudiantes que conforman sus orquestas, conocen el valor de la superación y el poder adictivo de la música. Jóvenes que han tenido la oportunidad de establecer relaciones con otros jóvenes a partir de ella, integrados en un paisaje sonoro y motivador. Abreu, además, ha contribuido a generar y nutrir un público en constante desarrollo que  es motor de la buena salud de la vida musical en Latinoamérica.

La claridad de su pensamiento y la fortaleza de su voluntad fueron expresadas por él mismo al serle otorgado el  Premio Príncipe de Asturias de las Artes, en 2008:

“Cuando creé este proyecto, estaba seguro de que iba a llegar a este punto. Me movía una vocación muy fuerte, el deseo de que todos los niños pudiesen acceder a la educación que, gracias a Dios, tuve yo”

 

OFM

 

Su ejemplo fue seguido en otros lugares de América Latina, Estados Unidos y Europa y nadie, como el propio Abreu, puede explicarlo mejor:

 

 

 

Abreu decía, además:

“La música es un instrumento irreemplazable para unir a las personas”

 

Descanse en paz. Seguro que su reposo tendrá una extraordinaria banda sonora.

 

 

 

El Romanticismo silencioso. Berwald, Bruch y Schubert

 

 

La época romántica reserva aun, agazapadas, algunas partituras que poco a poco van tomando forma sonora gracias al interés de agrupaciones sinfónicas y de cámara por reavivar su repertorio y por dar un soplo de aire fresco que renueve el espacio sonoro de las salas de concierto.

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao interpreta por primera vez tres composiciones no demasiado habituales en el actual universo de la música sinfónica. Ellas conducirán nuestra escucha hacia territorios menos explorados del lenguaje romántico que, por causas varias, mantienen sus partituras en un silencioso compás de espera.

La BOS recibirá como solistas invitados a los hermanos Víctor y Luis del Valle, dos pianistas malagueños que interpretarán un concierto poco programado y precioso. El conjunto sinfónico estará dirigido por el director, también invitado, Martin Nagashima Toft.

De estas composiciones hablaremos en la charla previa al concierto que tendrá lugar el jueves 22 de marzo entre las 18:00 y las 19:00 hs y en la sala E  del Palacio Euskalduna (junto a la entrada de artistas).  A la charla se accede de manera gratuita con la entrada al concierto.

 

OFM

 

De espíritu inquieto e inteligencia fértil, Franz Berwald buscó a lo largo de su vida el reconocimiento a su talento musical, pero sin éxito. Sus circunstancias biográficas lo sitúan en una época repleta de destacados nombres propios y en un lugar en que la luz plena que irradiaron los compositores de las principales potencias musicales europeas dejó en la sombra muchas ubicaciones consideradas periféricas.

 

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Franz Berwald (Estocolmo, 1796 – Estocolmo 1868)

 

 

Recuerdos de los Alpes noruegos es un poema sinfónico sugestivo y transparente que fue compuesto en 1842 y no se publicó hasta 1948. En él, las ideas imaginativas se desarrollan milagrosamente a partir de unos medios armónicos sencillos. En el mismo sentido, la inspiración lírica de Berwald está perfectamente reflejada en el trazo firme y elemental de sus melodías.

Podemos escuchar esta obra, apenas conocida, en este enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=9QhHl1m_dB0

 

OFM

 

Max Bruch fue un compositor cuya voz se sigue escuchando principalmente a través de su Concierto para violín en sol menor –que eclipsa gran parte de su producción- o de su Kol Nidrei para violoncello y orquesta.

 

Max Bruch

Max Bruch (Colonia, 1838 – Berlin, 1920)

 

 

Tal vez su resistencia a las ideas progresistas de su época y la larga sombra de otro romántico tradicionalista como Brahms, mantiene en silencio gran parte de la obra de un compositor prolífico.

 

Las características específicas del piano como instrumento de cuerda percutida -y en este caso y por partida doble, de un gran piano de concierto- son integradas de manera magistral en el conjunto sonoro de su Concierto para dos pianos y orquesta en la bemol menor, escrito en 1915 por encargo de dos pianistas americanas, las hermanas Sutro, a quienes Bruch había conocido en su época de estudiantes en Berlín. La idea era que fuera interpretada por ellas en privado y que en ningún caso se publicara ni se estrenara en Europa. Pero ellas lo hicieron en Filadelfia en 1916 y de manera indigna: con todos los arreglos y simplificaciones que beneficiaban a su interpretación. Hubo que esperar al fallecimiento de ambas (Rose murió en 1957 y Ottilie en 1970) para que la partitura íntegra fuera reconstruida a partir de los originales que obraban en su poder. El concierto fue finalmente grabado en 1974 por los pianistas Martin Berkofsky y Nathan Twining, con la Orquesta Sinfónica de Londres y Antal Dorati a la batuta.

La música se mueve entre ideas de cualidad plenamente romántica, oscilando entre la vena lírica del compositor y la dramaturgia explícita, propia de una concertación entre una orquesta sinfónica y dos solistas poderosos.

En este enlace podemos escuchar la versión de las hermanas Katia y Marielle Labèque (¿qué tendrá este concierto, que favorece la fraternidad?):

https://www.youtube.com/watch?v=d2H3f5RYxms

 

OFM

 

Contemporáneo de Berwald y aun habiendo nacido y vivido -sin apenas salir de ella- en una ciudad vorazmente melómana, Franz Schubert no tuvo demasiada suerte en su carrera. Pasó su vida personal y profesional rodeado de una burguesía próspera que valoraba y gozaba de su inspiración sin límites -en lo que aún se denominan schubertiadas– pero sin contribuir a su mantenimiento.

 

Schubert

Franz Schubert (Viena, 1797-Viena, 1828)

 

 

La Sexta Sinfonía en Do Mayor fue escrita en apenas cuatro meses y concluida en 1818 siendo, por tanto, una obra de juventud -en realidad y por desgracia, Schubert fue siempre joven- y tal vez por esta razón el material que destaca, además de la deliciosa instrumentación, es de índole rítmica, con motivos más o menos breves que van enlazándose en unos diseños repetidos y vinculados a lo propiamente vienés y austriaco, tanto los que son de naturaleza vigorosa y de carácter popular, como los que asociamos al ambiente más sofisticado del salón. Además, una influencia gratamente representada en esta sinfonía es la de Rossini, cuya música causaba furor en Viena por aquellos años. Hay que lamentar que, pese a su bien diseñada hechura, a su fresca teatralidad y a su carácter alegre, Schubert no pudo disfrutar del estreno de su Sexta, que tuvo lugar unos días después del fallecimiento del compositor.

En este enlace se puede escuchar en la versión de John Elliot Gardiner al frente de la Filarmónica de Viena:

https://www.youtube.com/watch?v=rq5q3f4oCYY

 

OFM

 

Más información sobre este concierto en:

 

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-12-2017/#tab-1

 

Un delicioso programa para colorear esta lluviosa semana en que damos la bienvenida a la ansiada Primavera y que supone una gratísima ocasión de sacar de la sombra y poner altavoces a algunas partituras de una época desbordante de imaginación sonora.

Disfruten de ambas.

 

 

 

Plus. Un cuento musical

 

 

En la primera mitad del Siglo XX, Europa era un hervidero de ideas artísticas, los creadores estaban deseosos de romper con la tradición o, al menos, de enriquecerla. La Europa de entonces fue más.

 

PORTADA

 

 

Eso es lo que desde el Festival Musika-Música se ha querido transmitir al público de esta edición 2018 y también a los escolares de los cursos comprendidos entre 3º y 6º de Primaria que el pasado jueves se acercaron -y lo harán mañana martes de nuevo- al Palacio Euskalduna de Bilbao para encontrarse con el ave Plus y disfrutar de un espectáculo didáctico que, con arreglos musicales basados en Sibelius, Prokofiev y Falla, reúne en el escenario a los instrumentistas de Musbika -con Iraide Sarria y Elur Arrieta a los mandos- y a la actriz Getari Etxegarai.

 

OFM

 

Músicos y actriz pondrán en movimiento la historia de Plus, cuyo periplo musical y viajero tuve el gusto de escribir en forma de cuento para niños y que se puede resumir de esta manera:

“En la orilla más remota del país de las aves, muy lejos de la vieja Europa, vivía Plus. Harta de soportar el permanente graznido de su vecindario, había diseñado un plan: saldría a buscar nuevos sonidos con los que enriquecer el repertorio musical de sus aburridos paisanos y para ello dibujó un recorrido siguiendo el contorno de una imaginaria punta de flecha, como hacen las aves migratorias: primero iría hacia el Norte, después al Este y acabaría su expedición en el Sur.

 

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Según se acercaba a su primer destino, el aire se llenaba de sonidos poderosos y de todas partes surgía una música luminosa y repleta de fuerza. Siguió la ruta marcada y el Este se le ofreció lleno de variedad: Plus escuchaba sonidos originales en uno y otro rincón. La diversidad era enorme y los resultados deslumbrantes. Lo que Plus iba aprendiendo aumentaba sus ganas de conocer más y la música que escuchó en el Sur le dejó fascinada: la vitalidad de unos sonidos cálidos y bailarines se proyectaba en el espacio sonoro, elevaba su espíritu y le hacía planear.

 

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El viaje llegó a su fin. Los múltiples ecos de Europa flotaban en el aire y Plus alzó el vuelo, contemplando por última vez el rico paisaje sonoro que se extendía bajo sus alas. Estaba feliz porque regresaba a casa cargada de regalos para todos los oídos: eran los nuevos sonidos que llenarían su gris vecindario con los colores de la música.”

 

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Al relato se sumaron las hermosísimas y sugerentes ilustraciones Janire Soldevilla, recogidas en este friso:

 

FRISO (2)

 

 

Al final de cada pase del espectáculo Plus, los escolares se van a casa con un ejemplar del cuento y -es nuestro deseo- con las ganas de seguir disfrutando de la música en directo, como intérpretes o como felices escuchantes.