Mehta, Schubert, Bruckner e Firenze

 

 

En una semana, Bilbao recibirá uno de los grandes eventos musicales de la temporada 2016-17. Grande y no solo a nivel local, que ya es grandeza como se piensa en Bilbao (por cierto, cada vez menos local y con más almas internacionales viviéndola y disfrutándola).

Una de las más brillantes orquestas del panorama actual, la del Maggio Musicale Fiorentino, dirigida por Zubin Mehta, maestro de larga trayectoria y con un conocimiento extensísimo del universo de la música, interpretarán el próximo viernes 16 de setiembre, en el Palacio Euskalduna un programa sugerente que, aun sin parecerlo, recoge varias coincidencias.

Las primeras, entre los compositores elegidos: Schubert, “el muchacho que lo ha aprendido todo de Dios” y Bruckner, el hombre que dedicó su música “al buen Dios”.

F. Schubert (Viena, 1797-Viena, 1828)  –  A. Bruckner (Ansfelden, 1824-Viena, 1896) 

 

 

Uno y otro fueron hijos de maestro y discípulos del mismo profesor. Los dos realizaron su obra en un siglo irremediablemente romántico y en una ciudad apasionadamente melómana. Ambos concibieron nueve sinfonías y de uno y otro escucharemos dos magníficas obras orquestales estrenadas póstumamente. Las dos, además, inacabadas…

Pero, sin duda, hay diferencias: Schubert compuso su primera sinfonía a la edad de dieciséis años, mientras que el inseguro Bruckner esperó a cumplir los cuarenta; los dos autores utilizaron el contrapunto con maestría, pero con intenciones distintas; Schubert se sitúa en los albores del Romanticismo y Bruckner casi en las postrimerías. Por ello, el discurso de cada uno está articulado por dialectos propios, que los hacen irrepetibles.

 

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Franz Schubert afirmaba que “cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan”.

Compuesta en 1822 y presentada al público por primera vez en 1865, la Sinfonía en si menor D759 pivota entre la transparencia ingenua y el dramatismo y su expresión es un regalo de las musas, irremediablemente afectadas por una premonición de tragedia.

En este enlace, podemos escuchar una versión del extraordinario Claudio Abbado:

https://www.youtube.com/watch?v=cdhBumzco8g

 

 

Anton Bruckner creía que el talento debía ser puesto al servicio de Dios, por ello su expresión está fundamentada en una fe arraigada y profunda, que produce un arte sinfónico monumental, intemporal y lleno de fuerza.

La Novena Sinfonía en re menor fue compuesta en su mayor parte entre 1891 y 1894 y estrenada, en su versión original, en 1932. Proporciona al oyente un universo de ideas musicales que recorren varios climas expresivos y espacios sonoros diversos y originales.

Aquí, un aperitivo de lo que Mehta nos ofrecerá en Bilbao:

https://www.youtube.com/watch?v=GBmEzIf0ZK0

 

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Recordando que este concierto es el inicio de la excelente temporada que Bilbao Puerto de Arte programa en la ciudad y que ya comentamos hace unos meses:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2016/04/20/bilbao-puerto-de-arte/

 

…nos mantenemos en la idea de que nada hay como el directo. Por ello, los casuales enlaces y las felices diferencias en las sinfonías programadas para el viernes 16 y la enorme calidad de sus intérpretes, logran que este concierto sea excelente en su diseño, rico en colores musicales y espléndido para el oyente. Disfrútenlo.

 

 

No les pierdan la pista

 

 

 

 

 

Ellos son el pianista Adrian Hodor (Bilbao, 1996) y el director Unai Urrecho (Arrasate-Mondragón, 1977).

 

Y aunque el cometido de este cuaderno internauta no es directamente hacer “crítica musical”, sino más bien anunciar eventos, celebrar efemérides o comentar contenidos musicales –más que nada porque nos gusta escribir sobre lo que nuestros oídos ya conocen-, en esta ocasión queremos dejar constancia de la calidad de estos dos músicos de la tierra.

Ayer interpretaron el Concierto para piano en mi menor Op 11 de Chopin, la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky y la Danza húngara nº 1 de Brahms en Getxo y aunque el espacio acústico no era el más confortable para nuestros oídos, durante poco más de una hora convirtieron la carpa colocada en la estación de Las Arenas en un lugar donde disfrutar de buena música.

Chopin tenía aproximadamente la edad de Adrian Hodor cuando se presentó ante el público vienés con sus dos conciertos para piano. El joven pianista bilbaíno demostró talento, sensibilidad y un entusiasmo que, al parecer, es inagotable ya que a la salida del concierto nos comentaba sonriente “ahora me iría a tocar el piano”. Qué bien resultaría lo cotidiano si todo el mundo hiciera su trabajo con la misma ilusión (sin hablar de las aptitudes…).

La dirección de Unai Urrecho transmitió conocimiento, musicalidad y seguridad y reflejó todo ese trabajo que no vemos –pero sentimos- cuando escuchamos. Estuvo en todo momento pendiente de los intérpretes congregados bajo su batuta –pianista y orquesta- y en consecuencia también del público, que así lo sentimos y se lo agradecimos.

 

El próximo viernes 9 de septiembre, este mismo concierto se escuchará en la sala Serantes Kultur Aretoa de Santurce, a las 20:30 hs. Este es el enlace a la sala:

https://www.serantes.com/agenda/detalle.php?id=781

 

OFM

 

Quien quiera conocer mejor la actividad musical de Unai Urrecho, puede asomarse a su web:

http://www.unaiurrecho.com/main-es.php

 

El jovencísimo Adrián Hodor aún no se ha estrenado en este ámbito virtual, pero todo llegará.

 

Ojalá haya muchas ocasiones para escuchar a estos dos intérpretes. Les seguiremos el rastro con los oídos bien atentos.

 

 

John Eliot Gardiner. Palabras y música

 

Con rigor intelectual y sensibilidad musical innata. Así se presenta John Eliot Gardiner en cada recreación de una obra de arte sonora. Tanto en los estudios de grabación, como en el gozoso directo.

John Eliot Gardiner CBE FKC (Conductor)

                                  John Eliot Gardiner. Fontmell (Dorset), 1943

 

Mañana viernes 5 de agosto, a las 11:30 de la mañana y como preludio a su interpretación de la Pasión según San Mateo de Bach en el marco de la Quincena Musical, Sir John conversará en el Museo San Telmo de Donostia-San Sebastián con el crítico Luis Gago, quien ha traducido La música en el castillo del cielo, el último y excelente trabajo bibliográfico del inglés.

Esta será una poco habitual oportunidad de escuchar un “diálogo en torno a Bach” en boca de un elegido: privilegiado conocedor e intérprete de su música (los enamorados de Bach somos legiones anónimas). El acceso al evento es libre hasta completar el aforo y toda la información sobre la presencia de Gardiner en el San Telmo puede consultarse en este enlace:

http://www.santelmomuseoa.com/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=136&Itemid=8&lang=es&ide=50816

 

 

Al frente de los English Baroque Soloists, el Monteverdi Choir y la Easo Eskolania, el maestro inglés acudirá a una de las grandes citas de esta Quincena, interpretando una de las producciones humanas más magníficas de todos los tiempos. Según cuenta Gardiner en el citado libro, en la Pasión Según San Mateo

“al igual que todo buen narrador, Bach sabía exactamente cómo jugar con las expectativas de sus oyentes: cómo mantenerlos en suspense, cómo contar y luego volver a contar la historia desde ángulos diferentes. (…) Resultaría difícil mejorarlo como un drama esencialmente humano, en el que se dan cita una lucha y un desafío inmensos, traición y perdón, amor y sacrificio, compasión y piedad: la materia prima con que la mayoría de las personas puede identificase al instante”

 

 

En este enlace podemos disfrutar de su versión de la conmovedora y sublime Cantata BWV 113 “Herr Jesu Christ, du höchstes Gut” en la Saint David’s Cathedral de Gales (cómo se lo montan los ReUnidos y cómo le gusta a Gardiner que Bach suene en las iglesias):

https://www.youtube.com/watch?v=KcosBkNGjPI

 

OFM

 

La presencia verbal y musical de John Eliot Gardiner, supone una excelente manera de dar comienzo a esta nueva edición de la Quincena que, un año más, traerá a estupendas orquestas como la Sinfónica de la Radio de Frankfurt, la Budapest Festival Orchestra o las locales Sinfónica de Bilbao y Sinfónica de Euskadi (también reunidas en el concierto de clausura), coros y solistas de gran calidad.

 

quincena-musical-san-sebastian-2016

                                El cartel de este año es de Elena Odriozola

 

Toda la información de la 77 Quincena Musical, en este enlace:

 

http://www.quincenamusical.eus/

 

 

Y a quien quiera recordar la historia de esta magnífica reunión de melómanos que supone la Quincena, le remitimos a la entrada que publicamos hace unos años:
https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/06/26/quincena-musical-2013/

 

 

Disfruten toda la música, en soledad o en feliz reunión.

 

 

 

 

Aristóteles y la música

 

En 2016 se cumplen 2400 años del nacimiento de Aristóteles.

aristoteles Roma, Palazzo Altemps.

Estagira, 384 a.C. – Calcis, 322 a.C.

Busto de Aristóteles (Palazzo Altemps, Roma)

 

 

Fue discípulo de Platón y maestro de Alejandro Magno y se mantuvo desde muy niño y hasta el final de su vida interesado en múltiples facetas del conocimiento humano: la lógica, la ética, la física, la biología, la política…

La escuela de Atenas de Rafael Sancio en los Museos Vaticanos

La escuela de Atenas de Rafael Sancio (Museos Vaticanos, Roma)

En el centro, Platón (izquierda) y Aristóteles (derecha)

 

 

Aristóteles también aludió en varias ocasiones a los beneficios de la música para las personas. En su Política, 1341b 35-42 se refiere a:

“la necesidad de que la música forme parte de la educación de los jóvenes pues contribuye, de algún modo, a la formación del carácter y del alma”.

 

Estaba convencido, además, de que:

“la música debe practicarse no a causa de un solo beneficio, sino de muchos, pues debe cultivarse con vistas a la educación y a la purificación (…) para distracción, para relajamiento y para descanso tras la tensión del trabajo”, (Política, 1341 b 35-42).

 

Este saludable nexo entre ocio y música es corroborado en otro momento de manera clara:

“Actualmente la mayoría cultiva la música por placer, pero los que en un principio la incluyeron en la educación, lo hicieron porque la misma naturaleza busca no sólo el trabajar correctamente, sino también el poder servirse noblemente del ocio” (Política, 1337b 30-34).

De esta forma, queda señalada la importancia que la música tenía en la ocupación noble del ocio.

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Lamentablemente para todos, en el momento actual la educación en la música –en cultura y humanidades, en general- no es tema prioritario para quienes dirigen –en parte- nuestro paso por el mundo. Lamentablemente para él, Aristóteles no pudo escuchar la hermosísima música de Juan Crisóstomo Arriaga, cuyo dibujo de infancia (tan solo tenía 11 años cuando lo hizo) ilustra el frontispicio de este cuaderno virtual.

Aquí van dos ejemplos sonoros para quienes quieran escuchar. El primero es de hace tan solo unos meses, cuando la Orquesta Sinfónica de Galicia dirigida por Jesús López Cobos, interpretaba en A Coruña la Sinfonía en Re Mayor de Arriaga:

https://www.youtube.com/watch?v=PBmN4jA8Fug

 

Y este otro es del Cuarteto Sine Nomine, que interpreta el Cuarteto nº.3 en Mi bemol Mayor del compositor bilbaíno:

https://www.youtube.com/watch?v=MTV7BcVDREs

 

Como bien sabía Aristóteles, la escucha de la música incorpora dimensiones cognitivas y afectivas y es una buena oportunidad para satisfacer muchas necesidades del alma. Disfruten.

 

 

 

Conciertos de Zenarruza-Ziortzako kontzertuak 2016

 

De nuevo la primavera, en su vertiente musical, florece en Zenarruza.

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Este año el cartel es de Erramun  Mendibelanda

 

 

Voces e instrumentos; solistas y conjuntos; intérpretes de la tierra y otros que traen su música de lejos acercarán a los oyentes de hoy los sonidos compuestos en tiempos pasados, en esta nueva edición de los Conciertos de Zenarruza.

En perfecta armonía con un lugar mágico y eterno y en una atmósfera de encuentro, nuestros caminos sonoros se cruzarán con los que en otros tiempos recorrieron Purcell y Haendel, Bach y Bonporti, Corelli y Bruna y tantos otros…

Como bien decía el músico y folklorista José Gonzalo Zulaika, cariñosamente conocido como Aita Donostia:

 

“Al crear Dios el mundo, así como no lo quiso sin calor, tampoco lo ideó sin música, antes bien, lo llenó de perpetua e ininterrumpida armonía. Como a inmensa caja de música, le dio cuerda y todas las criaturas cantaron: las tempestades con sus bramidos y fragores de tumultuosas aguas; las fuentes y arroyuelos, con sus melodías claras; las selvas, con sus murmullos; los pájaros, con sus gorjeos; las montañas, con sus ecos. Y, sobre todo, cantó el alma humana, como fuente de música que brota de su interior, como surtidor silencioso en la paz del jardín espiritual”.

 

 

El ciclo dará comienzo el sábado 4 de junio con el programa Armida Abbandonata, que interpretarán la soprano María Espada y la agrupación instrumental Passamezzo Antico. Los afetti o pasiones humanas se convertirán en el núcleo de una música que pretende, a la manera barroca, manifestar una serie de emociones y conmover al oyente. El detalle de las obras, aquí:

Passamezzo Antico 4-VI-2016

 

El domingo día 5, es el turno de un concierto original a cargo de Laurent Dupéré, trompeta y Thomas Ospital, órgano. Esta mezcla de timbres resulta excelente porque proporciona en formato reducido, los tres modos de emisión del sonido de los instrumentos de viento. Además, alternarán los dos órganos de Zenarruza: el de la capilla mayor y el órgano del coro que, construido en 1686 por Joseph de Echabarria, es el más antiguo conservado en el País Vasco.

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Órgano del Coro, construido en 1686 por Joseph de Echabarria

 

 

Al parecer, el origen de esta estimulante combinación instrumental se remonta a un concierto celebrado en Roma en el verano de 1634, en la villa del magnífico mecenas, cardenal Borghese. En esta primavera de 2016, lo recrearemos en Zenarruza, con este programa:

Trompeta y órgano 5-VI-2016

 

El siguiente fin de semana, otro par de conciertos. El sábado 11 de junio, la Capilla Santa María, con Daniel Zapico en la tiorba, Carlos García-Bernalt al órgano y al cembalo y Carlos Mena como contratenor y en la dirección, interpretarán el programa Musick for a While, cuyo título está tomado de una de las piezas que serán interpretadas y que tiene música de Henry Purcell y texto del poeta Dryden, quien nos dice que “la Música, por un rato, distraerá tus preocupaciones”. Con esa intención, la agrupación nos propone un recorrido geográfico y anímico por varias composiciones barrocas que, con su alta carga expresiva, buscan la teatralización de sentires y anhelos; unos provocados por instintos humanos y otros, de aliento divino. El detalle del programa puede consultarse aquí:

Capilla Santa María 11-VI-2016

 

 

Para finalizar el ciclo, un concierto de envergadura: el domingo 12 de junio la BIOS (Bizkaiko Orkestra Sinfonikoa), la Sociedad Coral de Bilbao y Celia Alcedo, Marife Nogales, Beñat Egiarte y Sebastiá Périz como solistas vocales, dirigidos todos por Jon Malaxetxebarria, interpretarán El Mesías de Haendel.

Milagro de equilibrio entre la intención “dramática” y la “contemplativa”, la obra no es de uso litúrgico, pero tiene una fuerte inspiración religiosa trascendental que asombra al oyente. Haendel, en un arrebato de esa modestia que solo alcanza a los grandes, decía: “Si el Aleluya estaba o no en mi cuando lo compuse, lo ignoro. Sabe Dios…”.

 

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Todos los conciertos darán comienzo a las 18:00 hs. y, al igual que el año pasado, habrá servicio gratuito de autobuses, previa reserva a la organización del ciclo (Departamento de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia. C/ Alameda de Rekalde, 30 – Tfno 944067000).

 

Quien quiera recordar la historia de estos conciertos, puede hacerlo aquí:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/06/01/conciertos-de-zenarruza-ziortzako-kontzertuak/

 

 

Quien quiera visitar el monasterio, antes de estar allí, lo puede hacer a través de este enlace:

http://www.monasteriozenarruza.net/

 

 

Disfruten los colores musicales que destilan los muros de Zenarruza y su jardín de paz. ¿Qué tendrá este lugar…?

 

 

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“Me llamo Erik Satie, como todo el mundo.”

 

 

Hoy se cumplen 150 años del nacimiento de Erik Satie

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Honfleur, 17 de mayo de 1866 – París, 1 de julio de 1925

 

 

Contemporáneo de Miguel de Unamuno, Henry de Toulouse-Lautrec, Ramón del Valle Inclán o Vasili Kandinsky, Satie nació en el hermoso pueblo normando de Honfleur, en la desembocadura del Sena.

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Honfleur, le vieux port. De Marie-Claire Lefébure

 

 

Componía piezas breves para piano en una época en que la mayoría de los compositores escribían obras para grandes orquestas. Pensaba, además, que la nueva melodía post-romántica podía resurgir del canto gregoriano y manifestó su admiración por la música oriental. Pero su evolución musical se encaminaría pronto hacia la caricatura, convirtiéndose en ejemplo del nuevo arte francés y tomando como modelo la música del cabaret, del circo, el music-hall, los cafés-concierto y el jazz.

Satie también cantaba al amor:

Entendí tu angustia, querido enamorado, y cedo a tus deseos.

Hazme tu amante. Lejos de nosotros la sabiduría. No más tristeza.

Anhelo el instante precioso en que seremos felices. Te quiero.

 

 

En este enlace podemos escuchar a Jessie Norman cantando esta hermosa Je te veux:

https://www.youtube.com/watch?v=JvKmBgxC_s4

 

 

Si bien Satie nunca perteneció a ningún movimiento colectivo -más bien al contrario, reivindicó la independencia de su estética-, escuelas tan diversas como los simbolistas, los cubistas, los dadaístas, los surrealistas, los neoclásicos, los conceptuales y los minimalistas, en un momento u otro, lo han reivindicado como uno de los suyos. Pero más adecuado aún sería reconocer su influencia en ellos.

Las Trois morceaux en forme de poire, publicadas en 1911, fueron utilizadas con frecuencia en actos organizados por los dadaístas. Satie escribió esta  Introducción a sus Trois Morceaux en forme de poire à quatre mains avec une Manière de Commencement, une Prolongation du même, et un En Plus, suivi d’une Redite :

 

“Recomendaciones: Me encuentro en un recodo prestigioso de la historia de mi vida. En esta obra exprimo mi estupor oportuno y natural. Creedme, a pesar de las predisposiciones. No os divirtáis con los desconocidos amuletos de vuestra efímera penetración. Santificad vuestras amadas ampollas verbales: Dios os perdonará, si ese es su deseo, desde el centro honorable de la Eternidad conexiva, donde se accede a todo con solemnidad, con convicción. El Definido no puede congelarse; el Ardiente se apaga por sí solo; el Colérico no tiene razón de ser. No puedo prometeros nada más a pesar de que me he decuplicado provisionalmente, descuidando toda precaución. ¿No basta quizá? Eso me digo a mí mismo.”

 

 

Tras la muerte del compositor, se encontraron en su habitación de Arcueil, cuidadosamente ordenados en cajas de puros y en medio de un desorden indescriptible, varios miles de dibujos e inscripciones extrañas, caligrafiadas sobre minúsculas cartulinas. Jamás las había mostrado a nadie. Descripciones de paisajes imaginarios, de personajes ridículos e improbables y de instrumentos musicales intocables, esos dibujos e inscripciones son, sin duda, el reflejo más fiel del universo mental del compositor. La aparición de un flujo constante de libros que exploraban aspectos no musicales de su trabajo creativo, y especialmente su producción literaria, amplió la percepción del personaje. Satie fue un escritor original y prolífico. Memorias de un amnésico y Cuadernos de un mamífero, traducidos al castellano, son buenos ejemplos del pensamiento libre y creativo de Satie.

Las palabras que aparecen en sus partituras -a veces auténticos poemas-, así como los títulos que las encabezan, son sólo distanciadores guiños que extrañan al intérprete:

 

“Como un ruiseñor con dolor de muelas”

“Retire la mano y métasela en el bolsillo”

“En el más profundo silencio”

“La mano sobre la cabeza de su alma”

“Con el rabillo de la mano”

“Con un candor recatado pero conveniente”

“De lejos”

“Con lágrimas en los dedos”

“Con dos manos”

“Sin pestañear demasiado”

 

 

Los signos de expresión tradicionales (piano, dolce, amabile etc.) resultaban al compositor tan manidos y dotados de connotaciones románticas que, en cada nueva partitura, fue desarrollando nuevas expresiones y signos, acompañados en ocasiones de ilustraciones humorísticas y satíricas, que muchas veces no se sabe muy bien cómo interpretar ya que, si Satie anota que un silencio debe realizarse “con grave solemnidad”, es difícil saber si realmente el compositor busca dicha solemnidad, o bien está ironizando sobre ese tipo de ejecución ambiciosa, trascendental y profunda, ya que él consideraba que la música formaba parte de la propia vida. De hecho, nunca estableció una distinción entre las obras de “música seria” que componía y la música que interpretaba en los cabarets donde trabajó gran parte de su vida.

En otras ocasiones asoció la música con actividades que, en principio, poco tienen que ver con ella, como en Sports et divertissements, en los que ideaba la música de tal modo que el trazo de la partitura recordara la acción evocada. Por ejemplo, el golf:

 

LE GOLF

 

 

Según Jean Cocteau, “Los títulos de Satie sirven para proteger sus obras de las personas obsesionadas por lo sublime”. Sin embargo, éstos han tenido su influencia con el paso del tiempo y han interesado a creadores algo alejados de lo musical: el malogrado y genial arquitecto Enric Miralles dio a su tesis doctoral en 1987 el título de una de las partituras de Satie: “Cosas vistas a izquierda y a derecha (sin gafas)”

Hace unos meses, Satie daba con nosotros la bienvenida al año nuevo:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2016/01/04/feliz-2016-con-musica-de-ambos-lados-del-atlantico-y-de-los-dos-hemisferios/

 

 

Hoy, celebramos su cumpleaños con sus Gnossiennes, en la versión del exquisito Jean Ives Thibaudet:

https://www.youtube.com/watch?v=xwgvEOY0vaA

 

Para deleitarse. Háganlo.

 

 

 

 

 

 

 

 

Desde Rusia, con corazón

 

 

Todo empezó con un final. La caída del zarismo supuso el principio de la larga travesía vital que iniciaron, aunque de forma distinta, los dos compositores cuya música podremos disfrutar esta semana en Bilbao, en el concierto que la BOS ofrece los próximos días 12 y 13 de mayo a las 19:30 hs, en el Auditorio del Palacio Euskalduna. Actuará como solista al piano, Marta Zabaleta y la dirección correrá a cargo de Yaron Traub.

Dado que el concierto forma parte del Abono Iniciación, el jueves 12 entre las 18:00 y las 19:00, en la sala B Terraza del Palacio Euskalduna, tendré el gusto de comentar las obras del programa, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

Rachmaninov y Shostakovich recorrieron el camino abierto por la Revolución rusa en sentidos opuestos, pero ambos con la intensa humanidad que impregna su obra de sensibilidad y certeza.

De las composiciones de estos dos creadores -al igual que de gran parte de la mejor literatura de ese vasto y complejo fenómeno geográfico que fue el Imperio Ruso y, después, la Unión Soviética-, emanan un amplio catálogo de sentimientos, pasiones, contradicciones, excesos y efusiones del alma que cristalizan en pasajes épicos y melancólicos, en sonidos que claman al cielo y en otros que alivian el corazón. Lo que se escucha a flor de piel y lo profundo, conviven con lo que se celebra y con lo que se denuncia, con lo que estimula el bienestar y con aquello que estremece…

A los autores de este programa les unió su necesidad de componer, su talento y la veracidad de una música que comunica experiencias hondamente sentidas. Les separan unas pocas décadas, la manera de escribir y su vivencia de la sublevación que derribó el último imperio en Europa.

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Sergei Rachmaninov dejó su patria tras el triunfo de la Revolución y la confiscación de sus propiedades, aceptando una providencial gira de conciertos por los países escandinavos. En la Navidad de 1917 la familia Rachmaninov se convirtió en exiliada en Suecia. Un año después, embarcaban rumbo a Nueva York.

 

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Sergei Rachmaninov (Semyonovo, 1873- Beverly Hills, 1943)

 

A partir de ahí, aunque sin abandonar la composición que tanto le satisfacía, se dedicó sobre todo a su carrera de intérprete. Según cuentan las crónicas, Rachmaninov era un pianista de mucha clase, que lograba con maestría y aparente facilidad cosas que bordeaban lo imposible. Su estilo interpretativo y su presencia en el escenario tenían muy poco de amanerado y su puesta en escena carecía de excentricidad y sensiblería. Nuevamente, su veracidad se ponía al servicio de un acabado pulido, porque su perfección era impecable y su autoridad ante el instrumento, rotunda.

 

El Concierto para piano nº 2 en do menor Op 18 había sido compuesto en los años rusos, como feliz resultado de su curación anímica y artística, tras una larga temporada de depresión y esterilidad creativa. Fue estrenado por el propio compositor en 1901 y dedicado al médico que contribuyó a su curación. En esta obra, como en tantas otras de Rachmaninov, el talante dramático está asociado con unas embriagadoras dotes melódicas que conectan con el público y lo conmueven, alcanzando así el principal deseo de un artista para quien “la música nace del corazón: es amor”.

 

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Disfrutando de la música con su hija

 

En este enlace podemos escuchar al propio compositor en una grabación histórica con la Orquesta de Filadelfia, dirigida por Leopold Stokowski

https://www.youtube.com/watch?v=pBx-tr1FDvY

 

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La manera en que Dmitri Shostakovich, percibió los cambios que se producían en Rusia fue por completo distinta: él se sintió “hijo de la Revolución” y se quedó. Fue considerado “artista soviético” y esto tuvo sus consecuencias en el ninguneo propiciado por intereses occidentalistas. Pero, en más de una ocasión, también sufrió el desprecio del propio Stalin y el ataque salvaje de la “autoridad competente” a lo que consideraron “caos en lugar de música” de un creador acusado de “decadentismo burgués” y “formalismo”.

 

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Dmitri Shostakovich (San Petersburgo, 1906-Moscú, 1975)

 

El cambio en la denominación de “compositor ejemplar” a “enemigo del pueblo” le obligó a acatar ciertas pautas emitidas desde el régimen, por temor a unas represalias que se demostró justificado en más de una ocasión.

Su trayectoria profesional estuvo, pues, tan cargada de refrendos oficiales como plagada de amarguras. Las esperanzas y la desesperación, los miedos, las vejaciones, las ilusiones renovadas y la degradación de los ideales sufrida en el devenir político (Shostakovich vivió bajo los regímenes de Lenin, Stalin, Kruschev y Brezhnev), marcaron su recorrido vital y musical.

El compositor se había sumergido desde muy niño en el universo de la música y su portentoso talento se manifestó enseguida a través de un oído absoluto, una memoria prodigiosa y la capacidad innata para recrear en audición interior cualquier detalle de una partitura a primera vista: “Era fácil” recordaba el músico adulto. Sus cualidades se transformaron en necesidad: “No puedo vivir sin componer” y también fueron su salvación, porque sus obras recogen todo el abanico de sus vivencias, sublimadas en registros instrumentales extremos, en una melodía extensa, lírica, meditativa y sentimental y en el manejo experto de la textura, que hacen de su paleta sonora un eficacísimo vehículo de expresión.

 

La Sinfonía nº 10 en mi menor Op 93 fue escrita entre julio y octubre de 1953, pocos meses después de la muerte de Stalin y su significación, más allá de la música, se vincula a la etapa de cierto deshielo que se abrió semanas después de este acontecimiento, crucial en la historia de la Unión Soviética. Shostakovich, muy unido a su tiempo, adoptó el papel –una vez más, pero no solo- de compositor documentalista e incluyó en la obra todo un mundo de sensaciones, con su sentimiento trágico y sus vivencias contradictorias. Su punto de vista no excluye ninguna experiencia y el autor da rienda suelta a todo el arrebato épico y la visión panorámica que caracteriza también a los grandes novelistas rusos. En esta catarsis, Shostakovich desata todos los matices de un amplísimo muestrario emocional y, esta vez, busca un final feliz.

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Shostakovich siempre interesado en la actualidad

 

En este enlace se puede escuchar una versión de claro sabor ruso, con la Orquesta Filarmónica de Moscú y el director moscovita Kiril Kondrashin, amigo personal de Shostakovich y gran intérprete de su música:

https://www.youtube.com/watch?v=ZepZLtqHjio

 

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Surgidos del corazón y envueltos en talento, nos llegan estos dos regalos directamente desde Rusia. Disfrútenlos.

 

 

 

IV Festival Internacional de Órgano Villa de Bilbao – Bilboko IV Nazioarteko Organo Jaialdia

 

La Asociación de Amigos de órgano de Bizkaia “Diego Amezua” organiza la cuarta edición del Festival Internacional de Órgano “Villa de Bilbao”.

 

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Esta temporada destaca la participación de dos organistas vascos de proyección internacional, como son Daniel Oyarzabal y Loreto Aramendi. También actuará el joven organista francés Yoann Tardivel.

 

El ciclo dará comienzo en la Catedral del Señor Santiago, el próximo 6 de mayo. Yoann Tardivel interpretará música de Bach (incluyendo preludios corales y la monumental Passcaglia y Fuga BWV 582), Mozart, Schumann, y Liszt (Preludio y Fuga sobre el tema B.A.C.H. S 260). Este intérprete es profesor asistente de órgano en el Real Conservatorio de Bruselas y está, además, comprometido con la difusión de la música antigua y contemporánea a través de la producción y presentación de un programa divulgativo en la RTBF.

Yoann Tardivel Erchoff. Foto www.nicodraps.com

Yoann Tardivel

 

El órgano de la Catedral fue construido en 2003 por los franceses Pellerin&Uys y tiene una sonoridad clásica que, estando basada en el barroco alemán, permite la interpretación de otros repertorios más modernos o incluso contemporáneos.

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Fotografía de Pablo Cepeda

 

 

El segundo concierto del ciclo correrá a cargo de Daniel Oyarzabal e incluirá transcripciones para gran órgano de piezas orquestales de Bach, Rimsky-Korsakov o Saint Saëns, así como obras originales para órgano compuestas por autores como Brahms, Mendelssohn, Eslava, Messiaen o Lefebure-Wely.

 

Daniel Oyarzabal. Foto Noah Shaye

Daniel Oyarzabal

 

 

El órgano de El Carmelo fue construido en París por el afamado organero Aristide Cavaillé-Coll (1894), a quien nos referíamos hace algún tiempo en este cuaderno virtual:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/02/04/de-organeros-y-organos/

 

Este órgano fue transformado posteriormente y ampliado en su composición, aunque mantiene buena parte de su sonoridad romántica, ahora ampliada hacia la estética neoclásica.

Nuestra Señora del Monte Carmelo - Bilbao - Aristide Cavaillé-Coll (1894) -Juan Braun-P. Honorio

Fotografía de Pablo Cepeda

 

 

Cerrará el ciclo Loreto Aramendi, organista titular de la Basílica de Santa María del Coro de Donostia-San Sebastián, quien ofrecerá un concierto dedicado a las transcripciones para órgano de obras compuestas originalmente para orquesta, incluyendo algunas tan conocidas como el Coro de peregrinos de Tanhauser de Wagner, el Preludio en Do# m de Rachmaninov o la Danza Macabra de Saint-Saëns.

Loreto Aramendi. Foto www.loretoaramendi.com

Loreto Aramendi

 

El órgano de San Antonio de Padua en el que tendrá lugar este concierto, es el más reciente de los tres y fue construido en 1963 por Organería Española S.A., que fue la empresa más importante en cuanto a la construcción de órganos en España en la segunda mitad del siglo XX (su obra más importante es el órgano de la catedral de Buen Pastor de Donostia-San Sebastián con 125 registros).

San Antonio de Padua (PP Franciscanos) - Bilbao Organería Española S.A. (1963)

Fotografía de Pablo Cepeda

 

 

Los repertorios que nos ofrecen esta temporada son variados y amenos. En estos enlaces pueden consultarse todos los detalles:

programa 6 mayo

programa 13 mayo

programa 21 mayo

 

Este año la organización ha querido extender el ciclo al barrio bilbaíno de Santutxu, con el propósito de seguir acercando la cultura a todos los vecinos de Bilbao y de promover el conocimiento de los estupendos órganos de la ciudad.

 

Todos los conciertos son de entrada libre y tendrán una hora aproximada de duración. Serán proyectados en una pantalla gigante para poder seguir la actuación del organista desde los bancos de las iglesias.

Quien quiera conocer mejor a quienes hacen posible que disfrutemos de este importante patrimonio (los instrumentos y la música escrita para ellos), puede asomarse a este enlace:

http://www.diegoamezua.com/

 

 

Disfruten.

 

 

 

Bilbao Puerto de Arte

 

 

La temporada 2016-2017 Bilbao contará con un ciclo de Grandes Conciertos.

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Que los vascos somos melómanos es una realidad incontestable. Por ello, a las dos temporadas sinfónicas de la BOS y la EO, una de ópera de ABAO, un excelente ciclo de cámara organizado por la Sociedad Filarmónica y otras iniciativas de carácter más puntual, se suma ahora este proyecto presentado hace unas semanas: Bilbao Puerto de Arte. La intención es traer cada temporada a varios solistas, directores y orquestas de renombre mundial, en un ciclo que, además, resulta atractivo por el precio y el número de conciertos que programa: ni demasiado extenso como para saturar al público, ni demasiado breve como para dejarnos con las ganas.

 

INTÉRPRETES

 

La temporada se abrirá a lo grande con un concierto en el que escucharemos a Schubert y Bruckner, en interpretación de la extraordinaria Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, dirigida por Zubin Metha. El cierre será también excelente, con música de Beethoven, Mozart y su contemporáneo (casi exacto) Kraus, en la interpretación de la Orquesta Barroca de Helsinki y la soprano Sophie Karthäuser, dirigidos todos por René Jacobs.

Escucharemos además, a los pianistas Ivo Pogorelich y Denis Matsuev, al violinista y director Vladimir Spivakov, con los Virtuosos de Moscú y habrá espacio para la música de cine con la presencia del director y compositor de Hollywood, James Newton   Howard.

Hasta el 30 de abril, se pueden adquirir los abonos de temporada con un importante descuento. Ser abonado, además, contempla otras ventajas.

Más información en este enlace:

www.bilbaopuertodearte.com

 

Sea bienvenida esta iniciativa a este buen puerto que, sin duda, es Bilbao.

 

 

Banda Municipal de Música de Bilbao. “Descubriendo evocaciones”

El 9 de junio de 1895 la Banda Municipal de Música de Bilbao ofrecía a la ciudadanía su primer concierto. Estaba compuesta por 52 instrumentistas, dirigidos por José Sáinz Basabe, y el acontecimiento tuvo lugar en el Arenal.

Pero antes de esa fecha pueden encontrarse algunos antecedentes, como la banda de la anteiglesia de Abando, que existía ya en 1869, o la Banda de Música de Bilbao dirigida por Federico García desde 1867 quien, tras unos años de paréntesis, la reorganizó en 1881 bajo el nombre de Banda de Música de Santa Cecilia. También en ese año nació la Banda La Unión Artística, dirigida por Rafael Figuerido. En aquella época, el Ayuntamiento contrataba para las festividades públicas y los meses de verano a una de estas dos bandas.

Desde aquel lejano 1895, y salvo un parón forzoso entre 1937 y 1939, la Banda de Música ha ofrecido conciertos bajo titularidad municipal.

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                     La Banda en la época de Jesús Arámbarri (Archivo Eresbil)

 

 

La presente temporada 2016-2017, bajo la dirección de José Rafael Pascual Vilaplana, la Banda Municipal de Música de Bilbao está ofreciendo un excelente ciclo de conciertos bajo el título genérico Descubriendo con la Banda.

Mañana domingo 17 de abril, a las 12:00 hs y en el Auditorio del Palacio Euskalduna, tendrá lugar el último programa del periodo Otoño-Invierno ya que, con la llegada de la Primavera, las actuaciones de la Banda se realizan principalmente en el Kiosko del Arenal.

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                           La Banda en el Auditorio del Palacio Euskalduna

 

 

El concierto de este domingo lleva el título Descubriendo evocaciones y en él se podrán escuchar cuatro composiciones originales para banda, a través de las cuales se nos invita a evocar otras músicas escritas con anterioridad. Por ello, además de los compositores Mullor Grau, García i Soler, Wilby o Huber, estarán también con nosotros Beethoven o Paganini.

En la primera parte del programa escucharemos Heroicum de Rafael Mullor Grau. Con este título, el compositor de Alcoy rinde homenaje a la Eroica, la sinfonía con la que Beethoven abrió de par en par las puertas al Romanticismo y que, en un principio, había dedicado a quien fue su héroe: Napoleón Bonaparte, aunque finalmente -defraudado cuando vio a su ídolo ceñirse la corona de emperador-, tachó la dedicatoria. Esta partitura, permitirá a la banda lucirse en todo su esplendor.

Después, tendremos el placer de escuchar al excelente percusionista Vicent Zaragoza, que interpretará como solista el Concert per a marimba op.46 de Ramón García i Soler, con el que podremos recrearnos en las cualidades técnicas y expresivas de un instrumento de gran belleza tímbrica como es la marimba y del diálogo que se establece entre el solista y la Banda.

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En la segunda parte del concierto, se han programado las Variaciones Paganini de Philip Wilby, que son una muestra fantástica del interés y admiración que el violinista italiano sigue provocando en compositores y oyentes. Su Capricho nº 24 para violín solo había inspirado ya a Liszt, Schumann, Brahms, Rachmaninov y, más recientemente, a Lloyd Webber. En dichas variaciones se recrea al violinista genovés en sus múltiples facetas: brillante, imaginativo, improvisador, emotivo, diabólico… y tienen en cuenta la leyenda romántica que decía que Paganini había vendido su alma al diablo a cambio de una destreza sin rival. Será un placer escucharla en una formación nutrida y brillante.

Y para terminar, Evocazioni de Paul Huber, obra que da título al concierto y en la que el autor tuvo la intención de recrear con sonido las dificultades que en ocasiones provocan en las personas las circunstancias que les rodean. Huber la escribió en 1985, en plena Guerra Fría, pero sin duda el contexto actual, de sufrimiento para muchos, hace que su discurso sea del todo vigente. La música es sugerente y muy conmovedora.

 

Más información sobre la banda, en este enlace:

http://www.bilbaomusika.net/castellano/cbdlabanda.asp

 

Todo un planazo para disfrutar del domingo bilbaíno. Con música y, si se tercia, un buen aperitivo…

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