Tradiciones y arraigos musicales. Concierto de la BOS

 

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao, dirigida por Michal Nesterowicz, programa las deliciosas Variaciones sobre un tema rococó de Tchaikovsky y el hermoso Adagio con variaciones de Respighi. Para interpretar estas obras contaremos, además, con la presencia del violonchelista bilbaino Asier Polo.

Mañana jueves, a partir de las 18:00 y en la Sala B Terraza, tendré el placer de comentar la música que interpretarán, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

 

Tchaikovsky 1876

Piotr Illich Tchaikovsky (Votkinsk, 1840-San Petersburgo, 1893)  escribió las Variaciones rococó en 1876

 

Respighi

Ottorino Respighi (Bolonia, 1879 – Roma, 1936) escribió su Adagio con variaciones en 1921

 

 

 

En este enlace se puede escuchar la versión del joven y excelente músico Pablo Ferrández dirigido, junto con la Orquesta de RTVE, por Zubin Mehta (atención a la hermosísima variación VI (Andante) en el minuto 14’15’’):

https://www.youtube.com/watch?v=ADQUzKalf2Y

 

 

El programa se completa con la extraordinaria Sinfonía nº 9 en mi menor de Dvořák, llamada “Del Nuevo Mundo”.

A Dvorak

 

 

 

 

 

 

 

 

Antonín Dvořák (Nelahozeves, 1841 – Praga,1904) estrenó su Sinfonía del Nuevo Mundo en el Carnegie Hall de Nueva York, el 16 de diciembre de 1893

 

 

 

OFM

 

 

En este concierto se reúnen tradiciones y arraigos musicales de toda índole: la forma clásica “tema con variaciones” vertebrará el pensamiento lírico del compositor ruso y el del italiano. El checo nos hará gozar con el sabor de lo popular, ensamblando de manera tan perfecta como atractiva el aroma del folklore norteamericano -que conoció en sus tres años de estancia en Estados Unidos-, con la esencia de las melodías propias de la región de Bohemia, tan arraigadas en su corazón y en su musa.

 

Para deleitarnos en esta hermosa música tenemos dos posibilidades de cita: el jueves 9 y el viernes 10 de marzo, a las 19:30 en el Auditorio del Palacio Euskalduna de Bilbao.

Toda la información en este enlace:

https://bilbaorkestra.eus/conciertos/bos-11/

 

 

Bendita convergencia de arraigos musicales: las llamadas “formas clásicas” y las joyas del patrimonio popular. Disfruten de ambas.

 

 

 

 

 

Antonio Oyarzabal, pianista

 

El joven pianista bilbaino Antonio Oyarzabal, residente desde hace algunos años en Londres, estará estos días entre nosotros ofreciendo sendos recitales de piano.

 

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Antonio Oyarzabal (Bilbao, 1989)

 

 

Mañana, viernes, actuará en la sala Elai-Alai de Gernika:

http://www.gernika-lumo.net/es-ES/Eventos/Paginas/20170210_ConciertodepianoAntonioOyarzabalBilbao1989.aspx

 

Y el sábado en el auditorio de la escuela de música Andrés Isasi de Las Arenas:

http://www.getxo.eus/es/musika-eskola/actividades/neguko

 

Antonio ha preparado un atractivo programa al que ha llamado “Luces de invierno” y que incluye obras de Schubert, Tchaikovsky, Mamiya, Janáček y Debussy.

 

El pianista bilbaino ha paseado ya su talento y su buen gusto por ciudades como Viena, Lisboa, Munich o Madrid. Durante esta temporada ha sido seleccionado para participar en el programa Foyle Future Firsts Development de la Orquesta Filarmónica de Londres, que tiene entre sus principales objetivos desarrollar el talento de jóvenes intérpretes en el ámbito de la música orquestal:

 

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Foyle Future Firsts Development Programme 2016-2017 (Antonio Oyarzabal es el tercero por la izquierda)

 

Quien quiera deleitarse con el talento de Ravel en las manos de Oyarzabal, puede asomarse a este enlace, en el que se escucha el mundo de ensueño infantil de los cuentos de Mi madre la oca:

 

https://www.youtube.com/watch?v=4BNSdKVa_Q4

 

Quien quiera saber algo más acerca de Antonio, puede descubrirlo en su web:

 

http://www.antonioyarzabal.com/

 

Y quien quiera recordar a Ravel, puede hacerlo a través del pequeño homenaje que le brindábamos aquí hace unos años:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2012/12/28/por-ravel/

 

 

Disfruten de la luz que la música pone al invierno.

 

 

 

Mehta, Schubert, Bruckner e Firenze

 

 

En una semana, Bilbao recibirá uno de los grandes eventos musicales de la temporada 2016-17. Grande y no solo a nivel local, que ya es grandeza como se piensa en Bilbao (por cierto, cada vez menos local y con más almas internacionales viviéndola y disfrutándola).

Una de las más brillantes orquestas del panorama actual, la del Maggio Musicale Fiorentino, dirigida por Zubin Mehta, maestro de larga trayectoria y con un conocimiento extensísimo del universo de la música, interpretarán el próximo viernes 16 de setiembre, en el Palacio Euskalduna un programa sugerente que, aun sin parecerlo, recoge varias coincidencias.

Las primeras, entre los compositores elegidos: Schubert, “el muchacho que lo ha aprendido todo de Dios” y Bruckner, el hombre que dedicó su música “al buen Dios”.

F. Schubert (Viena, 1797-Viena, 1828)  –  A. Bruckner (Ansfelden, 1824-Viena, 1896) 

 

 

Uno y otro fueron hijos de maestro y discípulos del mismo profesor. Los dos realizaron su obra en un siglo irremediablemente romántico y en una ciudad apasionadamente melómana. Ambos concibieron nueve sinfonías y de uno y otro escucharemos dos magníficas obras orquestales estrenadas póstumamente. Las dos, además, inacabadas…

Pero, sin duda, hay diferencias: Schubert compuso su primera sinfonía a la edad de dieciséis años, mientras que el inseguro Bruckner esperó a cumplir los cuarenta; los dos autores utilizaron el contrapunto con maestría, pero con intenciones distintas; Schubert se sitúa en los albores del Romanticismo y Bruckner casi en las postrimerías. Por ello, el discurso de cada uno está articulado por dialectos propios, que los hacen irrepetibles.

 

OFM

 

Franz Schubert afirmaba que “cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan”.

Compuesta en 1822 y presentada al público por primera vez en 1865, la Sinfonía en si menor D759 pivota entre la transparencia ingenua y el dramatismo y su expresión es un regalo de las musas, irremediablemente afectadas por una premonición de tragedia.

En este enlace, podemos escuchar una versión del extraordinario Claudio Abbado:

https://www.youtube.com/watch?v=cdhBumzco8g

 

 

Anton Bruckner creía que el talento debía ser puesto al servicio de Dios, por ello su expresión está fundamentada en una fe arraigada y profunda, que produce un arte sinfónico monumental, intemporal y lleno de fuerza.

La Novena Sinfonía en re menor fue compuesta en su mayor parte entre 1891 y 1894 y estrenada, en su versión original, en 1932. Proporciona al oyente un universo de ideas musicales que recorren varios climas expresivos y espacios sonoros diversos y originales.

Aquí, un aperitivo de lo que Mehta nos ofrecerá en Bilbao:

https://www.youtube.com/watch?v=GBmEzIf0ZK0

 

OFM

 

Recordando que este concierto es el inicio de la excelente temporada que Bilbao Puerto de Arte programa en la ciudad y que ya comentamos hace unos meses:

https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2016/04/20/bilbao-puerto-de-arte/

 

…nos mantenemos en la idea de que nada hay como el directo. Por ello, los casuales enlaces y las felices diferencias en las sinfonías programadas para el viernes 16 y la enorme calidad de sus intérpretes, logran que este concierto sea excelente en su diseño, rico en colores musicales y espléndido para el oyente. Disfrútenlo.

 

 

No les pierdan la pista

 

 

 

 

 

Ellos son el pianista Adrian Hodor (Bilbao, 1996) y el director Unai Urrecho (Arrasate-Mondragón, 1977).

 

Y aunque el cometido de este cuaderno internauta no es directamente hacer “crítica musical”, sino más bien anunciar eventos, celebrar efemérides o comentar contenidos musicales –más que nada porque nos gusta escribir sobre lo que nuestros oídos ya conocen-, en esta ocasión queremos dejar constancia de la calidad de estos dos músicos de la tierra.

Ayer interpretaron el Concierto para piano en mi menor Op 11 de Chopin, la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky y la Danza húngara nº 1 de Brahms en Getxo y aunque el espacio acústico no era el más confortable para nuestros oídos, durante poco más de una hora convirtieron la carpa colocada en la estación de Las Arenas en un lugar donde disfrutar de buena música.

Chopin tenía aproximadamente la edad de Adrian Hodor cuando se presentó ante el público vienés con sus dos conciertos para piano. El joven pianista bilbaíno demostró talento, sensibilidad y un entusiasmo que, al parecer, es inagotable ya que a la salida del concierto nos comentaba sonriente “ahora me iría a tocar el piano”. Qué bien resultaría lo cotidiano si todo el mundo hiciera su trabajo con la misma ilusión (sin hablar de las aptitudes…).

La dirección de Unai Urrecho transmitió conocimiento, musicalidad y seguridad y reflejó todo ese trabajo que no vemos –pero sentimos- cuando escuchamos. Estuvo en todo momento pendiente de los intérpretes congregados bajo su batuta –pianista y orquesta- y en consecuencia también del público, que así lo sentimos y se lo agradecimos.

 

El próximo viernes 9 de septiembre, este mismo concierto se escuchará en la sala Serantes Kultur Aretoa de Santurce, a las 20:30 hs. Este es el enlace a la sala:

https://www.serantes.com/agenda/detalle.php?id=781

 

OFM

 

Quien quiera conocer mejor la actividad musical de Unai Urrecho, puede asomarse a su web:

http://www.unaiurrecho.com/main-es.php

 

El jovencísimo Adrián Hodor aún no se ha estrenado en este ámbito virtual, pero todo llegará.

 

Ojalá haya muchas ocasiones para escuchar a estos dos intérpretes. Les seguiremos el rastro con los oídos bien atentos.

 

 

John Eliot Gardiner. Palabras y música

 

Con rigor intelectual y sensibilidad musical innata. Así se presenta John Eliot Gardiner en cada recreación de una obra de arte sonora. Tanto en los estudios de grabación, como en el gozoso directo.

John Eliot Gardiner CBE FKC (Conductor)

                                  John Eliot Gardiner. Fontmell (Dorset), 1943

 

Mañana viernes 5 de agosto, a las 11:30 de la mañana y como preludio a su interpretación de la Pasión según San Mateo de Bach en el marco de la Quincena Musical, Sir John conversará en el Museo San Telmo de Donostia-San Sebastián con el crítico Luis Gago, quien ha traducido La música en el castillo del cielo, el último y excelente trabajo bibliográfico del inglés.

Esta será una poco habitual oportunidad de escuchar un “diálogo en torno a Bach” en boca de un elegido: privilegiado conocedor e intérprete de su música (los enamorados de Bach somos legiones anónimas). El acceso al evento es libre hasta completar el aforo y toda la información sobre la presencia de Gardiner en el San Telmo puede consultarse en este enlace:

http://www.santelmomuseoa.com/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=136&Itemid=8&lang=es&ide=50816

 

 

Al frente de los English Baroque Soloists, el Monteverdi Choir y la Easo Eskolania, el maestro inglés acudirá a una de las grandes citas de esta Quincena, interpretando una de las producciones humanas más magníficas de todos los tiempos. Según cuenta Gardiner en el citado libro, en la Pasión Según San Mateo

“al igual que todo buen narrador, Bach sabía exactamente cómo jugar con las expectativas de sus oyentes: cómo mantenerlos en suspense, cómo contar y luego volver a contar la historia desde ángulos diferentes. (…) Resultaría difícil mejorarlo como un drama esencialmente humano, en el que se dan cita una lucha y un desafío inmensos, traición y perdón, amor y sacrificio, compasión y piedad: la materia prima con que la mayoría de las personas puede identificase al instante”

 

 

En este enlace podemos disfrutar de su versión de la conmovedora y sublime Cantata BWV 113 “Herr Jesu Christ, du höchstes Gut” en la Saint David’s Cathedral de Gales (cómo se lo montan los ReUnidos y cómo le gusta a Gardiner que Bach suene en las iglesias):

https://www.youtube.com/watch?v=KcosBkNGjPI

 

OFM

 

La presencia verbal y musical de John Eliot Gardiner, supone una excelente manera de dar comienzo a esta nueva edición de la Quincena que, un año más, traerá a estupendas orquestas como la Sinfónica de la Radio de Frankfurt, la Budapest Festival Orchestra o las locales Sinfónica de Bilbao y Sinfónica de Euskadi (también reunidas en el concierto de clausura), coros y solistas de gran calidad.

 

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                                El cartel de este año es de Elena Odriozola

 

Toda la información de la 77 Quincena Musical, en este enlace:

 

http://www.quincenamusical.eus/

 

 

Y a quien quiera recordar la historia de esta magnífica reunión de melómanos que supone la Quincena, le remitimos a la entrada que publicamos hace unos años:
https://loscoloresdelamusica.wordpress.com/2013/06/26/quincena-musical-2013/

 

 

Disfruten toda la música, en soledad o en feliz reunión.

 

 

 

 

Bilbao Puerto de Arte

 

 

La temporada 2016-2017 Bilbao contará con un ciclo de Grandes Conciertos.

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Que los vascos somos melómanos es una realidad incontestable. Por ello, a las dos temporadas sinfónicas de la BOS y la EO, una de ópera de ABAO, un excelente ciclo de cámara organizado por la Sociedad Filarmónica y otras iniciativas de carácter más puntual, se suma ahora este proyecto presentado hace unas semanas: Bilbao Puerto de Arte. La intención es traer cada temporada a varios solistas, directores y orquestas de renombre mundial, en un ciclo que, además, resulta atractivo por el precio y el número de conciertos que programa: ni demasiado extenso como para saturar al público, ni demasiado breve como para dejarnos con las ganas.

 

INTÉRPRETES

 

La temporada se abrirá a lo grande con un concierto en el que escucharemos a Schubert y Bruckner, en interpretación de la extraordinaria Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, dirigida por Zubin Metha. El cierre será también excelente, con música de Beethoven, Mozart y su contemporáneo (casi exacto) Kraus, en la interpretación de la Orquesta Barroca de Helsinki y la soprano Sophie Karthäuser, dirigidos todos por René Jacobs.

Escucharemos además, a los pianistas Ivo Pogorelich y Denis Matsuev, al violinista y director Vladimir Spivakov, con los Virtuosos de Moscú y habrá espacio para la música de cine con la presencia del director y compositor de Hollywood, James Newton   Howard.

Hasta el 30 de abril, se pueden adquirir los abonos de temporada con un importante descuento. Ser abonado, además, contempla otras ventajas.

Más información en este enlace:

www.bilbaopuertodearte.com

 

Sea bienvenida esta iniciativa a este buen puerto que, sin duda, es Bilbao.

 

 

Banda Municipal de Música de Bilbao. “Descubriendo evocaciones”

El 9 de junio de 1895 la Banda Municipal de Música de Bilbao ofrecía a la ciudadanía su primer concierto. Estaba compuesta por 52 instrumentistas, dirigidos por José Sáinz Basabe, y el acontecimiento tuvo lugar en el Arenal.

Pero antes de esa fecha pueden encontrarse algunos antecedentes, como la banda de la anteiglesia de Abando, que existía ya en 1869, o la Banda de Música de Bilbao dirigida por Federico García desde 1867 quien, tras unos años de paréntesis, la reorganizó en 1881 bajo el nombre de Banda de Música de Santa Cecilia. También en ese año nació la Banda La Unión Artística, dirigida por Rafael Figuerido. En aquella época, el Ayuntamiento contrataba para las festividades públicas y los meses de verano a una de estas dos bandas.

Desde aquel lejano 1895, y salvo un parón forzoso entre 1937 y 1939, la Banda de Música ha ofrecido conciertos bajo titularidad municipal.

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                     La Banda en la época de Jesús Arámbarri (Archivo Eresbil)

 

 

La presente temporada 2016-2017, bajo la dirección de José Rafael Pascual Vilaplana, la Banda Municipal de Música de Bilbao está ofreciendo un excelente ciclo de conciertos bajo el título genérico Descubriendo con la Banda.

Mañana domingo 17 de abril, a las 12:00 hs y en el Auditorio del Palacio Euskalduna, tendrá lugar el último programa del periodo Otoño-Invierno ya que, con la llegada de la Primavera, las actuaciones de la Banda se realizan principalmente en el Kiosko del Arenal.

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                           La Banda en el Auditorio del Palacio Euskalduna

 

 

El concierto de este domingo lleva el título Descubriendo evocaciones y en él se podrán escuchar cuatro composiciones originales para banda, a través de las cuales se nos invita a evocar otras músicas escritas con anterioridad. Por ello, además de los compositores Mullor Grau, García i Soler, Wilby o Huber, estarán también con nosotros Beethoven o Paganini.

En la primera parte del programa escucharemos Heroicum de Rafael Mullor Grau. Con este título, el compositor de Alcoy rinde homenaje a la Eroica, la sinfonía con la que Beethoven abrió de par en par las puertas al Romanticismo y que, en un principio, había dedicado a quien fue su héroe: Napoleón Bonaparte, aunque finalmente -defraudado cuando vio a su ídolo ceñirse la corona de emperador-, tachó la dedicatoria. Esta partitura, permitirá a la banda lucirse en todo su esplendor.

Después, tendremos el placer de escuchar al excelente percusionista Vicent Zaragoza, que interpretará como solista el Concert per a marimba op.46 de Ramón García i Soler, con el que podremos recrearnos en las cualidades técnicas y expresivas de un instrumento de gran belleza tímbrica como es la marimba y del diálogo que se establece entre el solista y la Banda.

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En la segunda parte del concierto, se han programado las Variaciones Paganini de Philip Wilby, que son una muestra fantástica del interés y admiración que el violinista italiano sigue provocando en compositores y oyentes. Su Capricho nº 24 para violín solo había inspirado ya a Liszt, Schumann, Brahms, Rachmaninov y, más recientemente, a Lloyd Webber. En dichas variaciones se recrea al violinista genovés en sus múltiples facetas: brillante, imaginativo, improvisador, emotivo, diabólico… y tienen en cuenta la leyenda romántica que decía que Paganini había vendido su alma al diablo a cambio de una destreza sin rival. Será un placer escucharla en una formación nutrida y brillante.

Y para terminar, Evocazioni de Paul Huber, obra que da título al concierto y en la que el autor tuvo la intención de recrear con sonido las dificultades que en ocasiones provocan en las personas las circunstancias que les rodean. Huber la escribió en 1985, en plena Guerra Fría, pero sin duda el contexto actual, de sufrimiento para muchos, hace que su discurso sea del todo vigente. La música es sugerente y muy conmovedora.

 

Más información sobre la banda, en este enlace:

http://www.bilbaomusika.net/castellano/cbdlabanda.asp

 

Todo un planazo para disfrutar del domingo bilbaíno. Con música y, si se tercia, un buen aperitivo…

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Del teatro a la catedral. Mozart y Bruckner

 

 

Esta semana, la Orquesta Sinfónica de Bilbao dirigida por su nuevo titular, Erik Nielsen, con la participación de la pianista Judith Jáuregui, nos ofrece una propuesta que reúne a dos talentos austriacos al servicio de la orquesta. Ellos nos regalan su inspiración y su trabajo en dos formatos orquestales: un concierto muy sinfónico, de ambientación teatral, y una sinfonía dedicada a un hombre de teatro.

Esto los enlaza. Pero los diferencia el estilo (clásico, el concierto y romántica, la sinfonía) y el proceso de composición: Bruckner hizo cinco versiones de su Tercera Sinfonía, mientras que Mozart escribió su Concierto para piano nº 24, de un solo trazo.

El jueves día 10, a las 18:00 hs y en la Sala B Terraza del Palacio Euskalduna, tendré el gusto de comentar estas hermosas composiciones, en una charla previa de acceso libre con la entrada al concierto.

 

La tarde sinfónica dará comienzo con la música de Mozart:

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Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756-Viena, 1791). Retrato de 1770

 

Su Concierto para piano KV 491 en do menor, está muy por encima de los de sus contemporáneos, tanto en originalidad como en calidad de escritura: los temas son ricos y el vínculo entre solista y orquesta esmerado y sutil, estableciendo una relación entre ambos de proporción sinfónica. Irradia un irresistible aroma operístico, tanto en las secciones de mayor tensión dramática, como en las prolongadas y deliciosas melodías que canta el piano, penetradas del espíritu del aria.

Percibiremos este concierto (al igual que muchos de los de Mozart) como una ópera sin voces, lleno de tensión, nobleza y credibilidad. Este sentido de los valores dramáticos, recreados con medios instrumentales, realza su fuerza y da una nueva dimensión a lo que, hasta entonces, había sido música de entretenimiento, confirmando la opinión de Lord Edward Fitzgerald cuando decía: “Mozart es tan hermoso que las gentes no saben reconocer que es también poderoso”.

La excelente versión de la especialista en Mozart Mitsuko Uchida, concertando con la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigidos todos por Jeffrey Tate se puede escuchar aquí:

https://www.youtube.com/watch?v=PftH8FVzIRY

 

 

Y tras el sinfonismo concertante y teatral de Mozart, el grandioso misticismo sonoro de Bruckner, que personifica uno de los penúltimos eslabones importantes de la gran cadena de compositores sinfónicos austro-alemanes, capaz de construir en una época que se veía a sí misma hendida, enferma y transgresora de la forma, un arte sinfónico intacto, monumental e intemporal ya que, según Wagner, el austriaco era entonces “el único con verdaderas ideas sinfónicas después de Beethoven”

 

Bruckner

Anton Bruckner (Ansfelden, Alta Austria, 1824-Viena, 1896)

 

Bruckner dedicó su Tercera Sinfonía a este su admiradísimo Wagner. Su radiante lenguaje orquestal, su color armónico inundado de tensión cromática y su textura alternante entre la homofonía monumental y el talento contrapuntístico, se organizan en el formato sinfónico tradicional de cuatro movimientos, desarrollando temas que consiguen climas fervientes e intensos. Su fe católica, profunda e inquebrantable, está en la base de su discurso y lo conecta con su concepción mística del sonido. Esta es la explicación del “romanticismo” bruckneriano: escribe música pura, dentro de los contornos tradicionales, pero conectada con un misterio.

Con estas premisas, sus contemporáneos estaban convencidos de que Bruckner iría al cielo y así queda reflejado en esta caricatura de Otto Böhler:

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Anton Bruckner llega al cielo

 

En este enlace podemos escuchar la Tercera de Bruckner interpretada por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, dirigida por Paavo Järvi (en la Quincena Musical de 2013 tuvimos el privilegio de disfrutar de esta misma versión. Un verdadero festín):

https://www.youtube.com/watch?v=kY4l2Xx3crs

 

Esta propuesta musical nos conducirá del teatro a la catedral en un mismo auditorio. Para disfrutar.

***

Y enlazando con Mozart, el eterno, la reciente noticia de la retirada de Nikolaus Harnoncourt, director y violoncellista. Descendiente de la nobleza y trabajador infatigable. Músico riguroso, pensador profundo y divulgador generoso. Dijo adiós a los escenarios el pasado día 5, con el elegante detalle de un facsímil de su carta de despedida escrita a mano, que recibían los asistentes al concierto del Concentus Musicus Wien, en la Musikverein de Viena:

 

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Se dirige a ellos como “Querido público” y les reconoce que “se ha desarrollado una relación increíblemente profunda entre nosotros en el escenario y con ustedes en la sala de conciertos —¡nos hemos convertido en una venturosa comunidad de descubridores!—”.

En este enlace podemos escuchar a Cecilia Bartoli y el Concentus Musicus Wien, dirigidos por Harnoncourt, interpretando a Mozart:

 

https://www.youtube.com/watch?v=fX60UUZ7E7M

 

Si alguien quiere asomarse a la página web de este representante de lo mejor del pensamiento del siglo XX, puede hacerlo aquí:

http://www.harnoncourt.info/en/

 

A Harnoncourt lo seguiremos disfrutando a través del extenso legado que deja: discos, libros y el buen hacer que, sin duda, sabrán continuar quienes tuvieron el privilegio y la fortuna de trabajar con él. Como predica y hace Harnoncourt: sigamos descubriendo…

 

 

 

Lo que la música provoca: Barber, MacMillan y Dvořák

 

Esta semana la Orquesta Sinfónica de Bilbao ofrecerá una provocación sonora, a partir de la interpretación de la música de tres autores de tres siglos (XIX, XX y XXI), las habilidades técnicas y expresivas de la excelente percusionista Evelyn Glennie y la dirección de Marcus Bosch.

El próximo jueves 3, a las 18:00 hs y en la sala B Terraza del Palacio Euskalduna, tendré el gusto de comentar las obras del programa, en una charla de acceso libre con la entrada al concierto.

 

La provocación empezará con el discurso sensible y pleno de nostalgia de un compositor, Samuel Barber, que se movió en la larga sombra del Romanticismo musical.

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Samuel Barber (Pensilvania, 1910 – Nueva York, 1981)

 

Su inspiración refinada y el claro origen vocal de su lenguaje, dotan a su música de una poesía y una afectuosidad que comunican fácilmente con quienes escuchan. El Adagio para cuerdas es, probablemente, su composición más famosa, desde el momento en que fue estrenada en 1936 en versión de cuarteto de cuerda. Pero su popularidad alcanzó el impacto propio de los medios de difusión masiva, cuando el 5 de noviembre de 1938, Arturo Toscanini al frente de la Orquesta Sinfónica de la NBC, ofreció por primera vez a millones de oyentes el arreglo para orquesta de cuerda a través de la radio. En el contexto de un país que se estaba recuperando de la Gran Depresión y de un intérprete genial y mediático –Toscanini-, que manifestaba abiertamente su oposición a los regímenes fascistas que iban cobrando fuerza en Europa, de donde acababa de llegar a Estados Unidos para quedarse, el Adagio de Barber provocó una intensa respuesta emocional en la audiencia y ha permanecido en la memoria colectiva como pieza obligada en situaciones de alta carga emocional, como el anuncio de los fallecimientos de Roosevelt y J.F. Kennedy, en la conmemoración de las víctimas del 11S, o en los funerales de Albert Einstein –declarado melómano y violinista amateur- o Grace de Mónaco. En la sencillez de la melodía, en el calor del timbre, en el lirismo que conmueve, en el abrazo del legato, en la repetición de una idea que acaba siéndonos tan familiar… ahí radica el poder expresivo de esta partitura y su incitación a sentir.

En este enlace, podemos escuchar la versión de Leonard Slatkin al frente de la Orquesta Sinfónica de Detroit:

 

 

Y tras la conmoción afectiva, llegará la catarsis alentada por una plantilla instrumental rica y provocadora en la imaginación de James MacMillan, que persigue con su música la combinación de espectáculo rítmico -y visual-, estímulo emocional puro y meditación espiritual.

 

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James MacMillan (Kilwinning, Escocia, 1959)

 

En 1992 escribió el Concierto para percusión y orquesta Veni, Veni, Emmanuel, que no es la única composición del autor inspirada por temática religiosa.

MacMillan dedicó la obra a sus padres y está basada en el canto llano de Adviento del mismo título. El propio compositor nos indica que comenzó a escribirla el primer domingo de Adviento de 1991 y la finalizó el domingo de Resurrección de 1992. Según sus palabras, la importancia de ambas fechas litúrgicas se manifiesta en que al final de la obra hay un enlace entre el Adviento y la Pascua de Resurrección, de tal manera que la proclamación de la liberación que llega con el adventus Redemptoris -venida del Redentor-, encuentra su encarnación en el Cristo Resucitado.

La intención del autor es que la composición pueda ser considerada en dos sentidos. Por un lado, como música pura, cuyo material deriva del canto llano francés del siglo XV; pero también a través de una exploración teológico-musical de lo que supone el mensaje de Adviento.

A la inmediatez de la percusión y su efecto sobre los oyentes, sin apenas necesidad de procesar la información auditiva que nos llega, se suma la crítica que el periódico The Guardian hizo en el momento del estreno: “… un compositor tan seguro de su propio lenguaje musical que hace que su música sea comunicativa al instante para sus oyentes”.

Podemos escuchar y ver aquí a Claire Edwardes con la Vector Wellington Orchestra, dirigidos por Marc Taddei

 

 

Y la última obra del programa nos propondrá un viaje al Romanticismo pleno, a través de un cicerone con poder de convocatoria: Antonin Dvořák, compositor nacido en un entorno muy rico musicalmente, ya que en su Bohemia natal la música formaba parte de la educación de todos.

 

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Antonin Dvořák (Nelahozeves, República Checa, 1841 – Praga, 1904)

 

Su Sinfonía nº 6 en Re Mayor Opus 60, es una sinfonía clásico-romántica coloreada de nacionalismo y representa una primera cima de su evolución musical, ya que Dvořák no solo se había convertido ya con cuarenta años en un músico genial, sino también en un verdadero sinfonista, con lo que eso significaba en la larga estela que, partiendo de Haydn, había recorrido ya Brahms. Exhibe toda la energía de una exuberancia alegre y campestre y en su rotundidad revela a un compositor que, como señalaba su contemporáneo el musicólogo Hermann Kretzschmar, “mira de frente, con ojos de niño”.

En esos paisajes checos, en los que Dvořák halló paz espiritual, también encontró paisanos que bailaban danzas de ritmos vigorosos, pletóricos de alegría contagiosa. En este enlace podemos deleitarnos, escuchando el Scherzo del que emana toda la energía de la tierra a través de una danza típica de la región de Bohemia: la furiante. La versión es de la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por István Kertész:

 

 

Benditas sean las provocaciones de la música. Ríndanse a ellas y disfrútenla.

 

 

 

 

 

 

El viaje del sonido – Soinuaren Bidaia

El próximo sábado 14 de noviembre a las 20:00 hs, Alberto Urretxo, trombón solista de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, presentará su disco Soinuaren bidaia.

 

PORTADA

 

En el acto podremos escuchar algunas de las piezas que conforman el trabajo, que ha llevado a cabo con la colaboración de excelentes instrumentistas. Además, se presentará el cortometraje Serenata de Polentzi, en el que la música, la danza y el teatro, inspiran la creatividad de Polentzi García. Todo ello tendrá lugar en la Casa de Cultura de Sopelana, Kurtzio Kultur Etxea, en el marco del Ciclo de Música de Otoño Musikaldia 2015.

Toda la información del evento se puede encontrar en este enlace:

PROGRAMA

 

Músico curioso y de múltiples intereses, Alberto Urretxo hace del trombón un medio para el encuentro. Este disco representa, en una suerte de banda sonora, la reunión de varias de las inclinaciones y empeños de un instrumentista, por naturaleza inquieto, que se puso a caminar desde muy joven por el sendero de la música y condujo sus pasos hacia la búsqueda permanente de respuestas, guiado por la amistad, la experimentación, la interacción profesional y el amor. Todos estos afanes y valores están presentes en los sonidos de este documento que, ofreciendo variedad estilística, calidad sonora y buen gusto, busca despertar la curiosidad y encender la pasión por la música en cualquier persona que quiera prestarle sus oídos atentos.

Los arreglos son excelentes y en este periplo musical Urretxo viaja al pasado, explora el presente, cruza el Atlántico y se regocija en los paisajes sonoros de su tierra. Las postales de sus viajes nos envían recuerdos de Tartini, Bartók, Persichetti, Bozza, Debussy, Zabala, Piazzola o Castérède.

El disco es cálido y brillante en la elección tímbrica –todos los instrumentos de cuerda con arco, el piano y el txistu, acompañan al trombón-; pero es también estimulante y evocador en la selección de las piezas y rebosante en la invitación a sentir. Su significativo título, Soinuaren bidaia, supone la metáfora de un proceso vital paralelo al discurrir de la música.

Que ésta nos acompañe siempre a lo largo del camino. Sumérjanse en la escucha y disfruten.